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Piano Sonata N ° 11, K331 3ème mouvement (Alla Turca) Ludwig Van Beethoven (1770-1827), op. 113, Mars turcs des ruines d'Athènes Modest Mussorgsky (1839-1881), Capture de Kars -solemm March Johannes Brahms (1833-1897), op. 4, quatuor pour chorus et piano, mouvement fragen. Dans le cadre de la fascination de la culture orientale, le thème turc est une source d'inspiration dans le domaine de la musique ainsi que d'autres branches de l'art. Peut-être que les premiers exemples sont deux pièces de Mozart. Le plus important de ceux-ci est l'un des compositeurs des opéras les plus aimés, l'enlèvement du Seraglio, car son sujet, ainsi que ses thèmes fixés et musicaux reflètent l'influence des thèmes orientaux. Naturellement, l'enlèvement du Seraglio, qui contient toutes les caractéristiques de Mozarts Musical Language, est également importante que la preuve que ce grand compositeur de la musique occidentale a été influencé par la culture ottomane.

Cet opéra à trois actes a lieu au 16ème siècle, dans le palais de Selim Paşa. Les musicologues disent que la période au cours de laquelle cet opéra a été écrit (1781) était caractérisé par la tendance turque qui était à la mode en Europe en général et à Vienne en particulier. Ceci est basé sur des événements historiques.

Mozarts Une autre pièce à thème turc est le troisième mouvement du Piano Sonata N ° 11 (K331-300) bien connu, en mars turcs. Cette section, avec ses 2/4 mètres et son tempo rapide, reflète la musique janissaire à travers les oreilles de Mozart. C'est une bonne preuve que Mozart, comme d'autres compositeurs viennois de son époque, a été influencé par la musique de Mehter des Turcs, qui avait entouré deux fois Vienne.

Suite Mozart était Ludwig Van Beethoven (1770-1827) Qui, dans sa pièce, Ruines d'Athènes (1811, op. 113), comprenait une marche turque. Les ruines d'Athènes ont été écrites pour une pièce de théâtre par le même nom du dramaturge allemand d'août Friedrich F. von Kotsebue qui débutait dans le nouveau théâtre allemand à Budapest le 9 février 1812. Beethoven a été inspiré par ses variations pour piano dans le major OP. 76, qu'il avait écrit en 1809. Dans le quatrième acte de la pièce, Minerva se réveille d'un sommeil de 2000 ans pour trouver Athènes en ruine et maintenant entre les mains des Turcs. Après cette pièce, la Marcia Alla Turca que Beethoven a publié en 1822 pour le piano à quatre mains était presque aussi populaire que Mozarts Turc March.

Bien que d'autres compositeurs de pièces à thème turc n'exposent pas une influence aussi claire de la musique turque, Johannes Brahmes et Modest Mussorgsky au 19ème siècle ont écrit deux pièces de note. Dans sa capture de kars, écrit entre 1839 et 1881, modeste Mussorgsky comprenait un court movier, joué par des instruments éoliens, qui rappelaient de la musique turque. Cette marche est l'une des fonctionnalités des compositeurs rarement performé.

Le compositeur du XIXe siècle, Johannes Brahms Morceau Quartet pour Chorus et Piano, Opus 64, contient une section, Fragen (questions), dont les mots ont été inspirés par les Turcs. Dans ce travail chorale, réglé sur un texte de George Friedrich Daumer, il n'y a aucune influence de la musique turque, mais cela montre l'intérêt des compositeurs dans le sujet.

En plus des cinq pièces, nous avons brièvement adressé ici, d'autres exemples vont émerger. Mais le fait que des compositeurs bien connus tels que Mozart, Beethoven, Brahms et Mussorgsky ont produit des œuvres avec des thèmes turcs peuvent être considérés comme des preuves que la culture européenne était à certaines périodes influencées par l'Est et, par conséquent, la culture turque. Nous pouvons constater que parmi les raisons de cette influence est que l'Est a toujours servi de source d'inspiration fascinante à l'ancien continent; Non seulement la Turquie, mais les civilisations de pays tels que l'Iran, l'Égypte, l'Inde, le Japon et la Chine sont connues d'avoir inspiré les artistes occidentaux. Mais l'empire ottoman, surtout lors de sa montée et des conquêtes en Europe, a influencé les artistes européens avec son mystère, son colorant et son musique; En bref, sa culture. Que la raison était la crainte de la guerre ou de la curiosité, cette influence a donné une opportunité pour la rédaction de pièces telles que celles adressées ici.

musique baroque

La musique baroque est un style de musique d'art occidentale composée d'environ 1600 à 1750. Cette époque a suivi la Renaissance et a été suivie à son tour par l'ère classique. Le mot baroque vient du mot portugais Barroco Signification Misshapen Pearl, une description négative de la musique ornée et fortement ornée de cette période. Plus tard, le nom est venu de s'appliquer également à l'architecture de la même période.

La musique baroque forme une partie majeure du canon de musique classique, étant largement étudiée, réalisée et écoutée. Les compositeurs de l'époque baroque comprennent Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, François Couperin, Denis Gaultier, Claudio Monteverdi, Heinrich Schütz, Jean-Philippe Rameau, Jan Dismas Zelenka et Johann Pachelbel.

la période baroque a vu la création de tonalité. Pendant la période, les compositeurs et les interprètes ont utilisé plus d'ornements musicaux élaborés, apportent des modifications de la notation musicale et ont développé de nouvelles techniques de jeu instrumental. La musique baroque a élargi la taille, la gamme et la complexité des performances instrumentales, ainsi que l'opéra, la cantate, l'oratorio, le concerto et la sonate comme des genres musicaux. De nombreux termes musicaux et concepts de cette époque sont toujours utilisés aujourd'hui.

ÉTYMOLOGIE

Bien que c'était longtemps pensé que le mot comme un terme critique a été appliqué pour la première fois à l'architecture, il apparaît en fait plus tôt en référence à la musique, dans un examen satirique anonyme de la Première en octobre 1733 de Rameaus Hippolyte et Aricie, imprimé au Mercure de France en mai 1734. Le critique impliquait que la nouveauté de cet opéra était du Barocque, se plaignant que la musique manquait de mélodie cohérente, était remplie de dissonances inhérentes, de clé et de mètre constamment modifiées et a rapidement couru à travers chaque dispositif de composition .

L'application systématique des historiens du terme baroque à la musique de cette période est un développement relativement récent. En 1919, Curt Sachs est devenu le premier à appliquer les cinq caractéristiques de la théorie de Heinrich Wölfflins du baroque systématiquement à la musique. Les critiques ont été primées à remettre en question la tentative de transposition de catégories de Wölfflins à la musique, cependant et au deuxième trimestre des tentatives indépendantes du XXe siècle ont été réalisées par Manfred Bukofzer (en Allemagne et, après son immigration, en Amérique) et par Suzanne Clercx-Lejeune (en Belgique) d'utiliser une analyse technique autonome plutôt que des abstractions comparatives, afin d'éviter l'adaptation des théories basées sur les arts plastiques et la littérature à la musique. Tous ces efforts ont abouti à un désaccord appréciable sur les limites du temps de la période, notamment en ce qui concerne quand il a commencé. En anglais, la monnaie acquise que dans les années 1940, dans les écrits de Bukofzer et Paul Henry Lang.

Jusqu'à 1960, il y avait encore un litige considérable dans les cercles académiques, en particulier en France et en Grande-Bretagne, qu'il n'avait que significatif de faire grossir la musique aussi diversifiée que celle de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti et J.. Bach sous une seule rubrique. Néanmoins, le terme est devenu largement utilisé et accepté pour cette large gamme de musique. Il peut être utile de distinguer le baroque des deux périodes précédentes (Renaissance) et suivantes (classiques) d'histoire musicale.

Histoire

La période baroque est divisée en trois phases majeures: tôt, moyen et en retard. Bien qu'ils se chevauchent dans le temps, ils sont conventionnellement datés de 1580 à 1630, de 1630 à 1680 et de 1680 à 1730.

musique baroque précoce

La Florentin Camerata était un groupe d'humanistes, de musiciens, de poètes et de intellectuels à la fin de la Renaissance Florence qui se sont rassemblés sous le patronage du comte Giovanni de Bardi pour discuter et guider les tendances dans les arts, en particulier la musique et le drame. En référence à la musique, ils ont basé leurs idéaux sur une perception du drame musical classique (en particulier grecque) qui précieux discours et oration. En tant que tels, ils ont rejeté leurs contemporains utilisent de la polyphonie et de la musique instrumentale et ont discuté de tels anciens dispositifs de musique grecs comme monody, composé d'un chant solo accompagné d'un Kithara. Les premières réalisations de ces idées, y compris Jacopo Peris Dafne et Leudice, ont marqué le début de l'opéra, qui a été quelque peu catalyseur pour la musique baroque.

En ce qui concerne la théorie de la musique, l'utilisation la plus répandue de la basse figurée (également connue sous la forme d'une basse approfondie) représente l'importance croissante de l'harmonie que les sous-déclarations linéaires de la polyphonie. L'harmonie est le résultat final du contrepoint et la basse figurée est une représentation visuelle de ces harmonies couramment utilisées dans des performances musicales. Les compositeurs ont commencé à se préoccuper de progressions harmoniques et ont également utilisé le tritone, perçu comme un intervalle instable, pour créer une dissonance. L'investissement en harmonie avait également existé entre certains compositeurs de la Renaissance, notamment Carlo Gesualdo; Cependant, l'utilisation de l'harmonie dirigée vers la tonalité, plutôt que la modalité, marque le passage de la Renaissance dans la période baroque. Cela a conduit à l'idée que les accords, plutôt que les notes, pourraient fournir un sentiment de fermeture - une des idées fondamentales devenues appelées tonalité.

En incorporant ces nouveaux aspects de la composition, Claudio Monteverdi a ensuite progressé la transition du style de musique de la Renaissance à celle de la période baroque. Il a développé deux styles de composition individuels - l'héritage de la polyphonie de la Renaissance (Prima Praticana) et de la nouvelle technique de Basso Continuo du baroque (seconda Pratica). Avec l'écriture des opéras Lorfeo et de Lincoronazione di Poppea, entre autres, Monteverdi a accordé une attention considérable au nouveau genre d'opéra.

musique baroque moyenne

La montée de la cour centralisée est l'une des caractéristiques économiques et politiques de ce qui est souvent étiqueté l'âge de l'absolutisme, personnifié par Louis XIV de France. Le style du palais et le système judiciaire des manières et des arts qu'il a favorisé est devenu le modèle du reste de l'Europe. Les réalités de l'église montante et du patronage de l'État ont créé la demande de musique publique organisée, car la disponibilité croissante des instruments a créé la demande de musique de chambre.

Le Moyen Baroque n'avait absolument aucune incidence sur le travail théorique de Johann Fux, qui a systématisé la stricte Countpoint Caractéristique des âges antérieurs de son diplôme d'adhésif paranassum (1725).

Un exemple prééminent d'un compositeur de style jour est Jean-Baptiste Lully. Il a acheté des brevets de la monarchie d'être le seul compositeur d'opéras pour le roi et d'empêcher les autres d'avoir organisé des opéras. Il a terminé 15 tragédies lyriques et laissée à Achille et Polyxène inachevée.

musicalement, il n'a pas établi la norme dominée par des cordes pour les orchestres, qui était héritée de l'opéra italien et de la disposition de cinq parties française caractéristique (violons, violas-dans les Hautes-contre-contre-contre-contre-contre, Tailles et quintes - et Les violons des basses) avaient été utilisés dans le ballet à partir de l'époque de Louis XIII. Il a cependant introduit cet ensemble au théâtre lyrique, les parties supérieures doublées souvent par des enregistreurs, des flûtes et des obsoles et des basses de bassons. Des trompettes et des ketdrums ont été fréquemment ajoutés pour des scènes héroïques.

Arcangelo Corelli est rappelé comme influenciant pour ses réalisations de l'autre côté de la technique musicale - comme violoniste qui a organisé la technique de violon et la pédagogie - et dans la musique purement instrumentale, en particulier son plaidoyer et son développement du Concerto Grosso. ATTENDU QUE LULLY EST ENSCONCÉE À LA COUR, Corelli était l'un des premiers compositeurs de publier largement et de faire connaître sa musique dans toute l'Europe. Comme avec la stylisation de Lullys et l'organisation de l'opéra, le concerto Grosso est construit sur de fortes contrastes - sections alternent entre celles jouées par l'orchestre complet et ceux joués par un groupe plus petit. La dynamique était en terrasse, c'est une transition forte de forte à la douce et à nouveau. Les sections rapides et les sections lentes étaient juxtaposées les unes contre les autres. Numéroté de ses élèves est Antonio Vivaldi, qui composa plus tard des centaines d'œuvres basées sur les principes de Corellis Trio Sonatas et Concerti.

Contrairement à ces compositeurs, Dieterich BuxtHude n'était pas une créature de tribunal, mais était plutôt un musicien de l'église, tenant les postes d'organistes et de Werkmeister à la Marienkirche à Lübeck. Ses fonctions en tant que Werkmeister impliquant comme secrétaire, trésorier et directeur des affaires de l'Église, tandis que sa position d'organiste comprenait jouer pour tous les services principaux, parfois en collaboration avec d'autres instrumentistes ou chanteurs, également payés par l'Église. Entièrement en dehors de ses fonctions d'église officielles, il a organisé et dirigé une série de concerts connue sous le nom de Theabendmusiken, qui comprenait des performances d'œuvres dramatiques sacrées considérées par ses contemporains comme équivalent des opéras.

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