Progrès vers une théorie scientifique de la musique

Teneur:

  1. Que puis-je faire pour résoudre ce problème?
  2. Quel est le point de la pédale?
  3. Comment fonctionne la pédale?
  4. Où utiliser la pédale dans vos chansons
  5. Basse soutenue
  6. Transposition: Changer les touches *
  7. Le rythme est la disposition des sons dans le temps. Le mètre anime le temps dans des groupes d'impulsions réguliers, appelés mesures (ou barres). La signature temporelle ou la signature des compteurs spécifie le nombre de temps dans une mesure et la valeur de la note écrite comptait et ressentie comme un seul battement. En augmentant le stress et l'attaque (et des variations subtiles de la durée), des tons particuliers peuvent être accentués. Il existe des conventions dans la plupart des traditions musicales d'une accentuation régulière et hiérarchique de battements pour renforcer le compteur. Les rythmes syncopés sont des rythmes qui accentuent des parties inattendues du rythme. Jouer des rythmes simultanés dans plus d'une signature de temps est appelé polymètre.
  8. Les sons musicaux sont composés de hauteur, de durée et de timbre. La hauteur est déterminée par la fréquence des sons de vibration, telle que A440, qui vibre à 440 Hz. Les emplacements peuvent être liés par intervalle, leur distance relative d'un pas de référence. Le réglage est le processus d'attribution d'emplacements aux notes. La différence de hauteur entre deux notes s'appelle un intervalle. L'intervalle le plus élémentaire est l'octave. C'est à ce moment que deux notes sont liées à la fréquence même dans des intervalles même dans des multiples de deux. Par exemple, la note d'A peut être de 110 Hz, 220 Hz, 440 Hz, 880 Hz ... Notes, à son tour, peut être agencée en différentes échelles et modes. Dans la théorie de la musique occidentale, l'octave est divisée en 12 notes ou à des demi-étapes. Des motifs de demi-étapes et d'étapes entières (2 demi-étapes) constituent une échelle dans cette octave.
  9. la texture musicale est le son global d'un morceau de musique communément décrit en fonction du nombre et de la relation entre les pièces ou les lignes de musique: monophonie, hétérophonie, polyphonie, homophonie ou monody. La texture perçue d'une pièce peut également être affectée par le timbre des instruments jouant ces pièces et l'harmonie et les rythmes utilisés, entre autres.
  10. Les échelles les plus courantes sont majeures, harmoniques mineures mineures, mélodiques et pentatoniques. Dans la musique écrite à l'aide du système de la tonalité majeure mineure, la clé d'une pièce détermine le niveau de hauteur ou la fréquence de chaque note. Une pièce dans la clé de D majeur mettra toutes les notes deux sementiones supérieures à une pièce de la clé de la majeure.

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Que puis-je faire pour résoudre ce problème?

Si vous voulez écrire de super chansons, vous devez utiliser chaque outil disponible pour créer avec. Les concepts de théorie musicale comme PEDAL POINT peuvent vous aider à faire une meilleure musique et à comprendre vos chansons préférées.

Quel est le point de la pédale?

PEDAL POINT est quand une note unique soutient sur différentes changements d'harmonie. Généralement, PEDAL POINT est une basse basse qui continue de jouer même lorsque les notes au-dessus de cela se déplacent à différents accords. Un moyen simple d'y penser est une note de basse nette jamais jouée sous des accords et des mélodies changeants.

Comment fonctionne la pédale?

L'utilisation de la pédale peut vous donner des combinaisons de note que vous n'avez peut-être jamais pensé à utiliser des progressions conventionnelles. Certains accords vous trébucheront sur la clé de votre inscription. Celles-ci sont appelées inversions.

L'idée de différentes notes d'un accord étant présentées dans la basse Note sont appelées inversions dans la théorie de la musique. Lisez-y ici si vous n'êtes pas familier avec eux. Le pédalage sur une note soutenue est un excellent moyen d'explorer des coordonnements intéressants dans les clés.

Autres accords

Bien sûr, il n'y a aucune règle qui dit que vous devez rester dans une clé définie à l'aide de PEDAL POINT. Le maintien des notes de basse est parfait pour apporter des accords complètement nouveaux et différents dans vos progressions. Heres un exemple utilisant la clé de C à nouveau:

Si vous essayez de soutenir la tension et de prolonger l'harmonie dans vos chansons, PEDAL POINT fera le tour. Que ce soit un pont instrumental ou une longue et sinueuse verset, la pédale est parfaite pour maintenir la tension harmonique.

Et si les accords empruntés sont une fonctionnalité de vos chansons, vous pouvez utiliser PEDAL POINT comme outil transitoire sans soudure. Si vous n'êtes pas familier, les accords empruntés sont des combinaisons d'accord des clés parallèles (différentes clés partageant le même tonique).

La pédale est intéressante lorsque la note de maintien n'est pas dans les accords qui jouent au-dessus de lui. L'utilisation de cette manière ajoutera des sons étranges et dissonants à votre musique que vous ne pouvez pas obtenir avec des accords conventionnels.

Où utiliser la pédale dans vos chansons

Les points de pédale peuvent être utilisés dans les mélodies vocales et instrumentales de vos chansons. Dans l'arcade Fire Song Haïti, une seule note de synthe répétée commence à jouer à 1:28 et ajoute un caractère musical surréaliste et tendu:

Les points de pédale sont super non seulement pour ajouter de la tension dans la musique, mais aussi la libération. En saut par Van Halen, les pédales de basse sous des accords changeants jusqu'à ce que le choeur fait une entrée dramatique. Le chorus lui-même n'est pas spécial nécessairement, mais après tant de notes les mêmes, cela semble complètement différent:

Basse soutenue

L'un des concepts les plus utiles émergés dans la théorie de Jazz est la notion de guidage. Les tons de guidage sont des lignes mélodiques construites à partir d'un ou deux terrains extraits de manière stratégique de chaque accord de changements de syntonisation. L'idée est que si vous distillez un corde à son essence, ou sa coquille, vous pouvez commencer à créer une mélodie qui décrit la progression harmonique d'une mélodie avec un effort minimal.

Alors, après avoir développé une mélodie de base de la tonalité de guidage, vous pouvez commencer à y élaborer, l'embellir et le décorer, ce qui vous permet de générer du vocabulaire musical nouveau et créatif tout en faisant référence à une référence simultanée.

Les tons de guidage les plus fréquemment utilisés et efficacement sont les 3 et 7ths des accords d'une progression harmonique. 3rds et 7ème travaillent très bien que des tons de guidage parce qu'ils sont les emplacements qui définissent la différence entre les trois types de maux les plus courants d'accords dans Jazz Harmony: 7ème 7ème mineure et des 7èmes d'accords dominants.

Pour illustrer cela, pensez à CMAJ7, CMIN7 et C7. Les racines et les 5ièmes de ces trois accords sont les mêmes deux terrains: C et G (qui sont généralement les notes que le lecteur de basse est le plus susceptible de mettre l'accent sur les lignes de basse). Ce qui différencie CMAJ7, CMIN7 et C7 les uns des autres sont la combinaison particulière de 3rds et 7ths (3ème naturel + Natural 7e 7th = Maj7, 3ème naturel 3ème rangée 7ème = Dominant 7 et 3ème + 3ème + Baissé 7th = Mineure 7ème). Donc, comme le bassiste décrit déjà généralement les racines et les 5ièces, vous pouvez vous concentrer sur l'accentuation des 3rds et des 7èmes des accords que les notes clés qui définissent la progression harmonique.

L'utilisation de tons chromatiques ajoutés est une partie enracinée de la tradition de jazz et une stratégie efficace particulièrement répandue dans Bebop. L'idée est de choisir une cible ou une note de but et d'aborder le pas cible en construisant une mélodie constituée de notes ajoutées au-dessus et / ou en dessous.

Combinez le concept de guidage avec des tons environnants diatoniques et / ou chromatiques, et vous avez un système prêt à utiliser spontanément de manière spontanément du vocabulaire mélodique sur une mélodie sans avoir à compter sur le jeu lécher, que j'ai discuté avant ici sur LJS .

Transposition: Changer les touches *

Changer la clé d'un morceau de musique est appelé transposition de la musique. La musique dans une clé majeure peut être transposée à toute autre clé majeure; La musique dans une clé mineure peut être transposée à toute autre clé mineure. (La modification d'un morceau de mineur en majeur ou vice-versa nécessite de nombreux changements que la transposition simple.) Une pièce sonnera également plus haut ou plus bas une fois qu'elle est transposée. Il existe des moyens d'éviter de devoir faire la transposition vous-même, mais l'apprentissage à transposer peut être très utile pour les interprètes, les compositeurs et les arrangeurs.

pourquoi transpose?

Pour le mettre dans la bonne clé de vos chanteurs. Si votre chanteur ou votre chanteuse se débatte avec des notes trop élevées ou bases, changez la clé pour mettre la musique dans leur gamme entraînera une bien meilleure performance.

Les instrumentistes peuvent également constater qu'un morceau est plus facile à lire s'il s'agit d'une clé différente. Les joueurs de cordes à la fois inclinées et cueillies trouvent généralement des doigts et une réglage pour être plus faciles dans des clés tranchantes, tandis que les joueurs de bois et de laiton trouvent souvent des clés plats plus confortables et en accord.

Les instrumentistes ayant des instruments de transposition auront généralement besoin d'une partie qu'ils jouent pour être correctement transposés avant de pouvoir y jouer. La clarinette, la corne française, le saxophone, la trompette et le cornet sont les instruments de transposition les plus courants.

Eviter la transposition

Dans certaines situations, vous pouvez éviter la transposition, ou au moins, évitez de faire le travail vous-même. Certains instruments à cordes - Guitare par exemple - peuvent utiliser un capo pour jouer dans des clés supérieures. Un bon clavier électronique transposera pour vous. Si votre musique est déjà stockée en tant que fichier informatique, il existe des programmes qui le transposeront pour vous et l'afficheront et l'imprimeront dans la nouvelle clé. Toutefois, si vous n'avez que la musique sur papier, il peut être plus facile de le transposer vous-même que de le saisir dans un programme de musique pour l'avoir transposé. Donc, si aucune de ces situations ne s'applique à vous, il est temps d'apprendre à transposer.

Comment transposer de la musique

À bien des égards, c'est l'étape la plus importante et le moins simple. La transposition que vous choisissez dépendra de la raison pour laquelle vous vous transposez. Si vous savez déjà quelle transposition dont vous avez besoin, vous pouvez aller à l'étape deux. Sinon, veuillez regarder les sections correspondantes ci-dessous en premier:

Si vous avez choisi la transposition car vous voulez une clé particulière, vous devez déjà savoir quelle signature de clé à utiliser. (Si vous ne le faites pas, voir la signature de clé.) Si vous avez choisi la transposition car vous vouliez un intervalle particulier (par exemple, une étape entière inférieure ou un cinquième parfait plus haut), la clé change de la même intervalle. Par exemple, si vous souhaitez transposer une pièce en D majeur en hauteur d'une étape entière, la clé augmente également une étape entière, jusqu'au majeur. Transposer une pièce en B Minor Down Un troisième majeur déplacera la signature principale sur un tiers majeur de G mineur. Pour plus d'informations sur et pratiquer des intervalles d'identification, voir l'intervalle. Pour plus d'informations sur la modification de la musique en haut ou en bas de la signature de la clé, voir le cercle des cinquièmes.

L'avis du "C" dans la mélodie est une tonalité de non-accordée lorsqu'elle est jouée sur GM mais devient un ton d'accord du cinquième lorsqu'il est joué sur F7. Et tandis que la "D" dans la mélodie est une tonalité d'accord de consonne d'un cinquième sur le GM, il devient le troisième accord sur l'accord BB.

Je l'ai fait pour illustrer un point sur les tons de tendance avec les deux tons mélodiques spécifiques que vous avez donnés: "D" et "C". Dans votre harmonie d'origine, le "C" n'est pas un ton tendance. En fait, sur le corde F7, il s'agit d'un cinquième stable de l'accord. Mais, lorsque le "C" est joué sur D7, il devient le septième du septième accord dominant qui est un ton de tendance qui se résout jusqu'au troisième pour le corde tonique GM suivant.

Notez que dans les deux exemples, le deuxième accord est un septième accord dominant. Sélectionner simplement n'importe quel dominant n'a pas déterminé comment le "C" fonctionnerait. Nous devons connaître spécifiquement où chaque dominant déciderait de bien comprendre la fonction du "C".

la plupart des manuels d'harmonie incluront des sections sur des tonalités non des accords, des tons de tendance et d'autres idées fonctionnelles où Melody se croisit avec l'harmonie. Essayez de consulter ces thèmes dans un manuel pour plus d'exemples et d'explications.

Voici les concepts de base et les termes nécessaires pour discuter de la mélodie et de l'harmonie. Il est destiné aux adolescents ou aux adultes sans fond dans la théorie de la musique, mais une familiarité avec la lecture de notation commune et de jouer d'un instrument (ou de chanter). Les concepts couverts incluent l'intervalle, les clés majeures et mineures et les écailles, les triades et les accords. Quelques théoriciens musicaux tentent d'expliquer les techniques de composition des compositeurs de compositeurs en établissant des règles et des modèles. D'autres modélisent l'expérience d'écouter ou d'effectuer de la musique. Bien que extrêmement diversifier dans leurs intérêts et engagements, de nombreux théoriciens de la musique occidentale sont unis dans leur conviction que les actes de composition, de performance et d'écoute de la musique peuvent être expliqués à un degré de détail élevé (ceci, par opposition à une conception de l'expression musicale comme fondamentalement ineffable sauf dans des sons musicaux).

Généralement, les œuvres de théorie de la musique sont à la fois descriptives et normatives, elles tentent tous deux de définir la pratique et d'influencer la pratique ultérieure. Ainsi, la théorie de la musique est généralement à la traîne de la pratique de manière importante, mais souligne également vers l'exploration et les performances futures.

éléments temps

Le rythme est la disposition des sons dans le temps. Le mètre anime le temps dans des groupes d'impulsions réguliers, appelés mesures (ou barres). La signature temporelle ou la signature des compteurs spécifie le nombre de temps dans une mesure et la valeur de la note écrite comptait et ressentie comme un seul battement. En augmentant le stress et l'attaque (et des variations subtiles de la durée), des tons particuliers peuvent être accentués. Il existe des conventions dans la plupart des traditions musicales d'une accentuation régulière et hiérarchique de battements pour renforcer le compteur. Les rythmes syncopés sont des rythmes qui accentuent des parties inattendues du rythme. Jouer des rythmes simultanés dans plus d'une signature de temps est appelé polymètre.

Éléments de hauteur

Les sons musicaux sont composés de hauteur, de durée et de timbre. La hauteur est déterminée par la fréquence des sons de vibration, telle que A440, qui vibre à 440 Hz. Les emplacements peuvent être liés par intervalle, leur distance relative d'un pas de référence. Le réglage est le processus d'attribution d'emplacements aux notes. La différence de hauteur entre deux notes s'appelle un intervalle. L'intervalle le plus élémentaire est l'octave. C'est à ce moment que deux notes sont liées à la fréquence même dans des intervalles même dans des multiples de deux. Par exemple, la note d'A peut être de 110 Hz, 220 Hz, 440 Hz, 880 Hz ... Notes, à son tour, peut être agencée en différentes échelles et modes. Dans la théorie de la musique occidentale, l'octave est divisée en 12 notes ou à des demi-étapes. Des motifs de demi-étapes et d'étapes entières (2 demi-étapes) constituent une échelle dans cette octave.

musique timbre

La théorie de la musique décrit la manière dont les sons, qui voyagent dans des vagues, sont notés et comment ce qui sonne, ou joué, est perçu par les auditeurs. L'étude de la manière dont les humains interprètent le son sont appelés psychoacoustiques, tandis que les aspects cognitifs de la manière dont les sons perçus sont interprétés dans des structures musicales est étudiée dans la cognition de la musique. En musique, les ondes sonores sont généralement mesurées non pas par la longueur d'onde ou la période, mais par la fréquence. Chaque objet a une fréquence de résonance qui est déterminée par la composition des objets. Les différentes fréquences auxquelles les producteurs sonores de nombreux instruments vibrent sont donnés par la série harmonique.

Les résonateurs d'instruments de musique sont conçus pour exploiter ces fréquences. Différents instruments ont des timbres différents en raison de la variation de la taille et de la forme de l'instrument ainsi que du choix des matériaux à partir desquels sont construits les parties de l'instrument.

une note est généralement perçue comme un son sur un seul terrain. Les notes ont une vague régulière sur le tympan que les humains trouvent agréable. Cela peut être en partie dû au fait qu'à partir du moment où la fonction auditive est disponible pour un enfant à naître, il y a le rythme régulier du battement de la mère.

allure temps et pas

la texture musicale est le son global d'un morceau de musique communément décrit en fonction du nombre et de la relation entre les pièces ou les lignes de musique: monophonie, hétérophonie, polyphonie, homophonie ou monody. La texture perçue d'une pièce peut également être affectée par le timbre des instruments jouant ces pièces et l'harmonie et les rythmes utilisés, entre autres.

notes et échelles

Les échelles les plus courantes sont majeures, harmoniques mineures mineures, mélodiques et pentatoniques. Dans la musique écrite à l'aide du système de la tonalité majeure mineure, la clé d'une pièce détermine le niveau de hauteur ou la fréquence de chaque note. Une pièce dans la clé de D majeur mettra toutes les notes deux sementiones supérieures à une pièce de la clé de la majeure.

Changer la clé peut considérablement changer la sensation du morceau de musique, car elle change la relation des compositions à la plage de hauteur des instruments sur lesquels la pièce est effectuée. Cela affecte souvent TIMBRE ainsi que des implications techniques pour les interprètes.

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