Comment Stravinskys Rite of Spring a façonné 100 ans de musique

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Le rite du printemps était un travail révolutionnaire pour un temps révolutionnaire. Sa première représentation à Paris, exactement il y a 100 ans mercredi, était un moment clé de l'histoire culturelle - un scandale tumultueux.

Écrit à la veille de la Première Guerre mondiale et de la Révolution russe, la pièce est l'emblème d'une époque d'un grand ferment scientifique, artistique et intellectuel. Aucun compositeur puisque peut éviter l'ombre de cette excellente icône du 20ème siècle et marquer une note après la note par Modern Masters serait impensable sans son modèle.

Le rite du printemps a survécu à de nombreux procès au cours de ses 100 premières années, sans exclure la notoire de première année, au cours de laquelle la chorégraphie provocatrice de Nijinsky a suscité un tel volume d'abus que la musique elle-même était fréquemment inaudible. Performances initiales - même Stravinsky - de ce score extrêmement complexe était souvent au bord de l'effondrement, mais la pièce fait désormais partie du répertoire international orchestral et du plus grand risque qu'il soit confronté aujourd'hui, paradoxalement, est des interprétations de routine qui devraient faire un travail qui doit Les chocs semblent sûrs et faciles.

Et ce score a l'intention de choquer. Sa violence sauvage a confronté à l'esthétique de l'impressionnisme - alors à l'apogée de la mode musicale parisienne - juste comme étant le montage sévère de rasoir entre les phrases subverti le flux sans soudure de la tradition symphonique germanique avec une efficacité impitoyable.

Ceci, d'une certaine manière, est la musique cubiste - où des matières musicales se jettent dans les autres, interagissent et superposent avec les bords les plus brutaux, ce qui met ainsi la perspective musicale et la logique qui avait dominé les oreilles européennes depuis des siècles.

Du début pour terminer le rite des exalts de printemps dans un sens nouveau et explosif du mouvement musical. Pas l'interaction subtile des symétries périodiques typiques de l'ère classique, ni la flexibilité curvacée et subjective dans le flux de temps que le romantisme a fait.

rythmes de Stravinsky livre et pâte à la pâte; Bien que très irréguliers, ils soient toujours pulsés - et pulsés de manière aussi nouvelle que le score requis Les innovations nécessaires à la notation musicale pour rendre l'invention de Stravinsky jouable.

Et en aucun cas, ces rythmes sont présentés discrètement - au contraire, ils sont fréquemment martelés à l'unisson par l'orchestre gigantesque que le travail emploie. En effet, l'un des aspects les plus passionnants d'une bonne performance, même sans chorégraphie, c'est la façon dont il a l'air: peu de choses sur une plate-forme de concert peuvent rivaliser à l'affichage de tant de musiciens exécutant de telles formes rythmiques déchiquetées et imprévisibles dans l'unisson parfaite.

Afin de concentrer la perception de l'auditeur sur le rythme, le matériau mélodique - la plupart d'entre eux pincés d'un livre de morceaux folkloriques lituaniens - est extrêmement simple, parfois réduit à de minuscules modèles répétitifs d'un simple ou de trois emplacements.

En tandem avec cette simplicité linéaire, les harmonies cruncheuses gigantesques du travail se déplacent au rythme des glaciers, ce mouvement harmonique lent qui lentent paradoxalement le sens général de l'énergie et de la conduite. Ces édifices de son - bien que dissonorant de manière inquiétante pour un public en 1913 - sont choisis avec un raffinement impeccable et sous-tendent l'arc complet du score avec une caution structurelle sur un niveau presque beethovenien.

Et, comme avec Beethoven à ses accents les plus emphatiques et percussives imprévade l'orchestration. Les énormes sections vent et laiton volent le premier plan de la sonorité habituelle de la cordes et la section de percussion domine tout. En particulier, l'écriture spectaculaire pour une paire de timpes et le tambour de basse typique non seulement le son du rite, mais également son impact physique - en effet, on peut se sentir tiré de ceux-ci dans une murstrom rythmique d'une intensité presque tribale.

Certains des moments les plus électrisants du score viennent lorsque des brins rythmiques opposés sont empilés les uns sur les autres. De telles superpositions représentent un collage musical, créant une forme de chaos hautement organisé. C'était l'expansion du polyrythmique, l'une des innovations les plus essentielles de la musique moderne, bien au-delà de tout ce qui est conçu auparavant.

Mais tout dans le rite du printemps n'est frenzied ou agressif. En particulier, les introductions aux deux parties trahissent un sens beaucoup plus généreux de lyrisme, enveloppé dans un sens palpable de mystère. Et qui pourrait oublier, une fois entendu, le plaintif et étrange basson solo haut non accompagné avec laquelle la pièce ouvre?

Depuis génération 1913 après génération de compositeurs - de Boulez à Varèse, Bartók Ligeti - a cru devoir faire face aux défis posés par ce chef d'œuvre séminale. Pour beaucoup, le rythme - plus de terrain - a lui-même propulsé à l'avant-garde de l'action musicale due en particulier à l'influence du Rite.

continuité musicale - semblable à l'édition cinématographique - et son impact sur la forme à grande échelle ont également été fondamentalement affectée par les innovations de Stravinsky. Cette approche géométrique des contrastes de construction musicale vivement avec celle d'un grand Schoenberg contemporain de Stravinsky et de son école, où les formes évoluent grâce à une croissance organique et perpétuelle transformation.

Ce dernier idiome harmonique - souvent appelé atonale - diverge fortement de l'approche de Stravinsky, qui est essentiellement modal et à peine plus éloigné de la tonalité que le travail de ses amis parisiens Debussy et Ravel.

Histoire - heureusement - ne se déplace pas nécessairement en ligne droite, et, plus précisément, atavique primitivisme du Rite était rarement imitée par les grandes figures créatives du 20e siècle a évolué - ou, en effet, par son compositeur lui-même. Car dans quelques années, Stravinsky poursuivait une esthétique néo-classique ironique, détaché et élégant, qui d'abord déconcerté ses fans autant que ses détracteurs. En effet, beaucoup de personnes ont visionné l'évolution de Stravinsky au-delà du rite comme une trahison de ses deux racines slaves et génie modernistes, la question peut être posée en toute sincérité: Stravinsky ne se survivre le rite?

Le score a survécu à une réinterprétation constante chorégraphiques, l'analyse sans fin et d'exploitation dans les films - même en vedette dans Fantasia de Walt Disney. Stravinsky apparemment détestait la façon dont la coupe de bande dessinée et a représenté son ballet. I, pour un, ne peut pleinement dissocier la pièce de la voyantes si captivantes images de dinosaures et les éruptions volcaniques qui me Entranced donc comme un petit enfant.

Mais Stravinsky était - comme son grand Picasso contemporain - un sans repos, le génie protéiforme, incapable de fouler l'eau. Malgré la tentative occasionnelle, il n'a jamais atteint à nouveau l'énergie sauvage, cathartique du rite, ni les spectaculaires de succès, il a créé Scandale.

Mais j'aime la splendeur byzantine de sa Symphonie des Psaumes, l'éclat austère de la messe ou le jeu de style kaléidoscopique de Agon - produits des années 1930, 40 et 50 ans - tout autant que cette évocation fait époque de la rituels archaïques du printemps russe. Ils me captivent moins, et me déplacer plus.

George Benjamin est l'un des compositeurs les plus distingués de la Grande-Bretagne. Il a étudié avec Olivier Messiaen à Paris à l'âge de 15 ans et a eu sa première pièce orchestrale importante première au Proms quand il était encore seulement 20. Il a ensuite travaillé à Paris avec Pierre Boulez avant de retourner à Londres. Son opéra récent, écrit sur la peau, a récemment été à l'Opéra Royal.

« quelque chose de génie »

Ci-dessous un examen dans le le 5 Manchester Guardian Septembre 1913 de L'Oiseau de feu de Stravinsky Suite, qui fait référence au « carnaval de la violence », qui avait accueilli le Sacre du printemps quelques mois plus tôt à Paris. En 1921, Ernest Newman a écrit dans le Guardian de « la vue logique que Stravinsky est un homme de génie » qui parfois trouvé « la double tâche d'exprimer un esprit nouveau et faire une nouvelle langue un peu au-delà de ses pouvoirs ». En 1934, Neville Cardus songea-t-: « Peut-être que demain ... Stravinsky partagera le sort de Strauss et Debusssy, et être appelé démodés par les derniers jeunes « sangs » tandis que le reste d'entre nous dans notre cri sénilité avancer sur O pour le bon vieux airs de 'Le Sacre' « .

Introduction

Igor Stravinsky était un compositeur russe très influent qui est né en 1882 et qui est considéré comme une figure révolutionnaire dans le développement de la musique au siècle 2o (Tansman 42). Il était aussi un chef d'orchestre et un personnage historique qui a joué un rôle clé dans le développement de la musique au cours du 20e siècle. La principale caractéristique de sa carrière musicale était la diversité et la polyvalence que ses compositions exposées (Stravinsky 54).

Ses compositions pour les Ballets russes ont été les moments forts de sa carrière musicale parce qu'ils lui ont apporté la célébrité en particulier dans le monde de la musique. Par exemple, Le Sacre du printemps était un morceau controversé qui est généralement mentionné parmi les compositions qui lui ont fait un compositeur influent et célèbre (44) Tansman. Il a vécu dans différents pays dont la France, la Suisse et les États-Unis. Avant sa mort en 1971, Stravinsky avait composé plus de 100 pièces dont la symphonie en C, le rite du printemps et les râteaux progrès. (Artisanat 53)

Début de la vie

Stravinsky est né le 17 juin 1882 dans une petite ville russe connue sous le nom d'Oranienbaum et élever à Saint-Pétersbourg (Stravinsky 24). Il venait d'une famille musicale parce que son père était une chanteuse de basse et sa mère une pianiste. Sa mère a joué un rôle monumental pour influencer son fils d'apprendre à jouer du piano. Les parents Stravinskys ne voulaient pas qu'il devienne un musicien. Par conséquent, ils l'ont persuadé d'assister à l'école de droit afin de devenir avocat.

En assistant au collège, Stravinsky est devenu ami avec un autre étudiant dont le père (Nikolai Rimsky-Korsakov) était un compositeur célèbre (Stravinsky 26). Stravinsky a étudié la loi comme un signe de respect de ses parents, même s'il n'aimait pas cela autant qu'il aimait la musique. En conséquence, après la disparition de ses pères en 1902, il a commencé à poursuivre sa passion pour la musique. Il est devenu étudiant de Nikolais et a étudié l'art de la composition de musique sous sa direction pendant trois ans (Stravinsky 29).

Travaux

Stravinsky a composé de la musique à différentes périodes critiques dans l'évolution de la musique dans les premières années du XXe siècle. Par conséquent, ses œuvres sont généralement divisées en trois périodes, nommément périodes russes, néoclassiques et en série. Le point culminant de sa carrière était une pièce appelée le rite du printemps, car elle contenait des sujets révolutionnaires qui ont provoqué une émeute (Tansman 46). Il a incorporé des routines de danse qui représentaient des rites de fertilité païens qui ignoraient les formes de ballet acceptables à l'époque.

période russe

Pendant cette période qui a duré entre 1907 et 1919, Stravinsky composa plusieurs morceaux tout en apprenant de la musique sous la direction de Rimsky-Korsakov. Des exemples de morceaux qu'il composaient au cours de cette période incluent Scherzo Fantastique, Faun et Berghéres, Feu Dartifice et Symphony dans E-Flat Major. (Tansman 52) Ces pièces réfléchissaient de la grande influence de Rimsky-Korsakov sur Stravinsky.

Sa polyvalence était évidente dans ces pièces car une analyse approfondie de ses premières œuvres a montré la présence de styles musicaux adoptés par d'autres compositeurs comprenant Glazunov, Wagner, Debussy, Taneyev et Tchakiovsky (Tansman 53). Les spectacles Stravinskys à Saint-Pétersbourg ont attiré l'attention de Sergei Diaghilev qui possédait une compagnie de ballet. Diaghilev était si satisfait du travail de Stravinskys qu'il l'invitait à orchestrer deux compositions de piano de Chopin pour un spectacle que son entreprise organisait (Stravinsky 58).

Il a gagné plus de renommée, surtout après avoir composé et exécutant le Firebird tout en travaillant avec Diaghilev, car son orchestration, son organisation et son contenu étaient des preuves de la grande influence Rimsky-Korsakov sur Stravinsky (Craft 65). La deuxième composition que Stravinsky a fait pour le ballet Russe était le point culminant de sa carrière car elle le rendit célèbre et respecté comme compositeur, pianiste et chef d'orchestre (Tansman 48). Il s'est aventuré au théâtre après une invitation de Winnareta Singer qui l'a commandé à composer pour une performance qu'il organisait dans son salon de Paris.

période néoclassique

Cette période a duré entre 1920 et 1954 et était monumental dans la carrière de Stravinskys, car ses compositions ont exploré divers thèmes et styles de musique du monde classique (artisanat 68). Des morceaux tels que l'Apollon, Orphée et Persephone ont été composés au cours de cette période. Certaines de ses pièces les plus célèbres qu'il composaient au cours de cette période comprennent l'octet, la sérénade dans A et le concerto pour piano et vent. (Tansman 62). Son dernier morceau néo-classique a été composé pendant cette période et est devenu l'une de ses meilleures œuvres. Pendant cette période, Stravinsky a expérimenté plusieurs formes musicales traditionnelles, y compris la Fugue, Concerto Grosso et Symphony. Sa musique était fortement influencée par les compositeurs du 18ème siècle.

Période de série

La période de série a duré de 1954 à 1968. C'était une période expérimentale pour Stravinsky parce que ses compositions ont adopté des techniques développées par Arnold Schoenberg. Par exemple, ses œuvres qui comprenaient la cantate, le septet et trois chansons de Shakespeare ont été composées à l'aide de variations de la technique de douze tonalités. D'autres pièces qu'il composées au cours de cette période incluent dans Memoriam Dylan Thomas, Cantium Sacrum, Agon, Thréni, l'inondation et un sermon, un récit et une prière. (Artisanat 76)

Innovation et influence

Stravinsky était un compositeur polyvalent et innovant, car il a développé plusieurs innovations techniques concernant le rythme et l'harmonie et utilisait différents styles de composition tout au long de sa carrière. Malgré ses différents styles de composition, Stravinsky a maintenu avec succès un identifiant distinctif qui caractérise son talent et ses prouesses. Un exemple de sa nature novatrice est l'application du développement motivique dans sa musique.

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