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Carmine Valentino Coppola (italien: [Karmine Kɔppola]; Le 11 juin 1910 - 26 avril 1991) était un compositeur américain, un flaute, un pianiste et un auteur-compositeur qui a contribué de la musique originale au parrain, la partie du parrain II, Apocalypse maintenant, les Outsiders et le parrain de Paris III, tous réalisés par son fils Francis Ford Coppola. Au cours de sa carrière, il a remporté le prix de l'Académie pour le meilleur score original et Golden Globe Award pour le meilleur score original avec BAFTA Award et Grammy Award Nominations.

Coppola est né à New York, fils de Maria (Née Zasa) et Agostino Coppola, qui sont venus aux États-Unis de Bernalda, Basilicata. Son frère était conducteur d'opéra et compositeur Anton Coppola. Il était le père d'août Coppola, Francis Ford Coppola et Talia Shire, et grand-père de Nicolas Cage, Sofia Coppola, Coppola romaine, Jason Schwartzman et Robert Schwartzman.

Coppola a joué la flûte. Il a étudié à Juilliard, plus tard à l'école de musique de Manhattan et en privé avec Joseph Schillinger. Au cours des années 1940, Coppola a travaillé sous Arturo Toscanini avec l'orchestre symphonique de NBC. Ensuite, en 1951, Coppola a quitté l'orchestre pour poursuivre son rêve de composer de la musique. Pendant cette période, il travaillait surtout comme un chef d'orchestre sur Broadway et ailleurs, travaillant avec son fils, le cinéaste Francis Ford Coppola, sur une musique supplémentaire pour son arc-en-ciel de Finian.

Carmine a contribué à la musique réalisée dans la scène de mariage dans le parrain (1972). Plus tard, son fils a appelé à lui de composer une musique supplémentaire pour le score de la partie II du parrain (1974), dans laquelle lui et son père ont reçu un hommage en cinéma avec les personnages Agostino et Carmine Coppola, qui apparaissent dans une scène supprimée de Les jeunes segments de flashback de Corleone. Score principal Compositeur Nino Rota et Carmine ensemble ont gagné des Oscars pour le meilleur score pour le film. Il a également composé la majeure partie du score de la partie Parlfather Part III (1990). Il a fait des apparitions de camée dans les trois films de Parisoather en tant que conducteur.

Carmine et Francis ensemble ont marqué Apocalypse maintenant (1979), pour lesquels ils ont remporté un prix Golden Globe pour le meilleur score original. Il a également composé un score de trois et demi-heures pour les présentations de la reconstruction de Kevin Brownlow de Napoléon épique de 1927 d'Abel Gance. Carmine a composé la musique pour l'étalon noir (1979), sur laquelle Francis était producteur exécutif et quatre autres films réalisés par son fils dans les années 1980. Dans son commentaire audio sur le DVD Par Godfather Part III, Francis a déclaré que son père manquait une queue pendant la prise de vue de la réception de mariage d'ouverture de ce film - quelque chose qu'il n'a jamais fait dans son apogée. À ce stade, Francis s'est rendu compte que son père avait laissé peu de temps. Comme il s'est avéré, Carmin est mort moins de quatre mois après la première partie de la partie III, d'un accident vasculaire cérébral.

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Que puis-je faire pour résoudre ce problème?

Vous pouvez lire quelques-uns de ces exemples (et autres) dans mon livre, réelé dans la musique préexistante dans le film narratif (Abingdon: Routledge, 2019), mais en dessous, j'ai inclus de brefs commentaires sur chaque clip et Dans la plupart des cas, a également suggéré un article ou un chapitre universitaire spécifique qui explique l'exemple plus en détail.

Ce n'est que la deuxième utilisation la plus célèbre de la musique classique dans le réalisateur Stanley Kubricks 2001: une odyssée spatiale, après l'utilisation de l'ouverture du poème de tonalité de Richard Strausss aussi Sprach Zarathoustra pour les principaux titres (puis plus tard dans la film). Mais son audace ne manque jamais de m'étonner.

Après les films ouvertes sans mots quinze minutes des singes dans le désert préhistorique, une coupe coupe entre un os volant et un satellite en orbite résume instantanément des millénaires de progrès technologiques. Il n'y a pas de dialogue pour nous aider dans cette séquence suivante, que ce soit - une combinaison apparemment déconcertante de Waltz viennois du XIXe siècle (Johann Strauss IIS le bleu Danube) et une vision futuriste de l'espace spatial. Pourtant, cela fonctionne - l'amarrage de la navette et de la station spatiale devient, comme la Waltz, une danse en rotation de cour.

plus a été écrit sur la musique de 2001 que de tout autre film, mais pour un bon aperçu, voir les souches de chapitre de la transcendance en 2001: une odyssée spatiale dans Kate Mcquistons Book Book se réunir à nouveau: Design musical dans les films de Stanley Kubrick (Oxford: Oxford University Press, 2013).

Il serait possible de créer une liste de lecture substantielle composée uniquement d'utilisations de la musique classique dans les films Stanley Kubricks, mais mis à part la séquence d'accueil 2001, j'ai choisi seulement ce moment emblématique de la brillance. La musique désintelle est un extrait édité de Krzysztof Pendereckis 1966 Composition de Natura Sonoris n ° 1, l'une des nombreuses pièces du compositeur polonais présenté dans le film.

Avec son contemporain hongrois György Ligeti, dont la musique Kubrick utilisée en 2001, la brillante et les yeux larges, le Penderecki a été porté à une plus grande attention populaire via le cinéma. Sa musique peut également être entendue dans les films, y compris l'exorciste, les enfants d'hommes et l'île d'obturation.

Le réalisateur Martin Scorsese est mieux connu pour ses utilisations de la musique populaire préexistante, mais pour un rôle important dans ce film, il a choisi l'intermezzo de Pietro Mascagnis Opera Cavalleria Rusticana.

La pièce calme et mélodique joue deux fois pour réserver le récit, et ici à l'ouverture - avec le style artistique noir et blanc, de la photographie de la photographie - crée un contraste apparent avec le contenu des images. Le public est ainsi dessiné - le récit et son caractère central, on nous dit que nous ne sommes pas ce que nous pourrions normalement attendre d'un film de boxe.

Lecture suggérée: Mike Cormack, les plaisirs de l'ambiguïté: Utilisation de la musique classique dans Film, à Phil Powrie et Robynn Stilwell (EDS), changeant des airs: l'utilisation de la musique préexistante dans le film (ALDERSHOT: Ashgate, 2006) , pp. 9-30.

extraits de Samuel Barbers Adagio pour les chaînes sont entendus plusieurs fois dans le peloton. L'utilisation de ce clip est typique des apparitions des pièces dans ce film et d'autres (telles que l'éléphant Man (1980)).

Comme Luke Howard la met dans son étude de la réception populaire de compositions, l'Adagio for Strings a tendance à marquer des scènes de perte, de sacrifice et de tragédie. De manière remarquable, tandis que l'Adagio est généralement réfléchie aujourd'hui comme musique triste, Howard ne trouve aucune preuve de cette connotation dans les deux barbiers indiqués des intentions ou des pièces premières réception. Au lieu de cela, l'association de tristesse s'est développée grâce à des utilisations dans les films et autres contextes.

Edvard Griegs dans le hall du roi de montagne (de sa musique pour Peer Gynt) a été utilisé d'innombrables fois dans des films et d'autres contextes culturels; À ma génération millénaire au Royaume-Uni, c'est probablement mieux connu sous le nom de musique pour le parc d'attractions de Towers Alton!

Pour le nombre d'entre nous qui reconnaissent la pièce une fois qu'elle commence ici dans la course de rat et rappelle sa structure simple - essentiellement un crescendo soutenu et accelerando - le plaisir de la scène consiste à regarder comment l'action semble suivre la musique . Nous savons que la scène va progressivement renforcer la tension et l'excitation vers un point culminant inévitable, mais quel destin aura-t-il porter des personnages de la dernière accord?

Pour une exploration de ceci et d'autres scènes utilisant la même pièce, voir Kristi A. Brown, le troll des États-Unis, dans Phil Powrie et Robynn Stilwell (EDS), changeant des airs: l'utilisation de la musique préexistante dans le film (ALDERSHOT: Ashgate, 2006), p. 4-87.

King George VI (Colin Firth), avec l'aide de son thérapeute de discours Lionel Logue (Geoffrey Rush), doit surmonter son bégaiement pour offrir une radio diffusée au public britannique lors de l'épidémie de la Seconde Guerre mondiale.

les minutes d'ouverture de l'allegretto de Seventh Seventh Symphony, ici légèrement adaptées et nouvellement enregistrées (à un tempo particulièrement lent) pour le film, illustrent la progression des rois avec un voyage musical parallèle d'un début de musique incertain finition confiante.

musical s'installe, les cinéastes semblent avoir eu des idées d'une universalité beethove à l'esprit ici, mais certains téléspectateurs ont interrogé le choix de la musique par un compositeur allemand étant donné le contexte des scènes.

la finale de l'ouverture de Rossinis Opera William Tell a une longue association avec la franchise Lone Ranger, à compter de 1933 avec son utilisation en tant que thème d'ouverture pour le spectacle de radio d'origine, et puisque dans divers domaines de télévision, cinéma et itérations de jeux vidéo. Le célèbre garde-voleur est en fait largement responsable des pièces maintenant - une association commune avec des chevaux.

Disney ne pouvait pas quitter la pièce de son film Ranger Lone Budget 2013, mais comment la musique relativement légère pourrait-elle vivre dans un spectacle de blockbuster moderne? Dans cette séquence de train runaway climactique, la finale Rossinis émerge d'une adaptation de Geoff Zanelli. La pièce est élargie en termes de longueur et d'orchestration, pour correspondre à l'échelle de l'action et au son de l'original Hans Zimmer Scoring entendu ailleurs dans le film.

Lecture suggérée: Jonathan Godsall, Hi-Yo, Rossini: Entrée de la musique préexistante en tant que musique post-existante, à Carlo Cenciarelli (Ed.), Le manuel d'Oxford de l'écoute cinématographique (Oxford: Oxford University Press, 2021) , pp. 17-35.

Un score détenu par l'un des assassins identifie le point culminant de la célèbre Aria, Nessun Dorma, comme le moment de tirer le coup de feu - une vanité empruntée à Hitchcocks l'homme qui connaissait trop (1934 et 1956), qui construit à un accident de cymbale lors d'un concert au Royal Albert Hall. Au fur et à mesure que la tension construit, nous attendons de voir si la chasse peut sauver la journée. Notez comment l'opéra semble souvent marquer l'action comme la musique de film classique, malgré son être dérivé.

Repensez à la première fois que vous avez entendu l'ouverture à Mozarts le mariage de Figaro. Étiez-vous juste un enfant qui regarde Willy Wonka et la chocolaterie dans un cinéma sombre? De même, grâce à V pour VENDETTA, nous ne pouvons pas entendre Tchaïkovskys 1812 Ouverture sans imaginer une révolution ou Ravels Bolérro sans penser à Bo Derek faisant l'amour à Dudley Moore. Il est difficile de répertorier toutes les pièces de musique classique utilisées dans les bandes sonores qui sont maintenant inextricablement associées à des événements et d'humeurs spécifiques, mais voici quelques-uns des plus omniprésents du groupe.

Regardez la scène, nous vous déficitons de ne pas frémir. Chaque peu de Francis Ford Coppolas Apocalypse est maintenant effrayant, mais fournissant votre propre bande son épique tout en bombardant un village vietnamien entier, c'est autre chose. À Die Walküre, le thème accompagne les sœurs Valkyrie chevauchant des chevaux volant lorsqu'ils recherchent des héros tombés et depuis que cela est devenu synonyme d'imagerie de bataille. Le trajet de la Valkyrie apparaît dans D.. Griffiths Silent Film La naissance d'une nation, Stanley Kubricks Full Metal Veste, et fournit même les airs pour l'un des fudds d'Elmer de nombreuses chasses pour Bugs Bunny.

Quand vous entendez ce choeur, vous savez quelque chose sur le point de se produire et de son être ainsi. Damné. Spectaculaire. À l'origine, un poème médiéval sur le destin, o Fortuna a été mis sur la musique de Orff dans les années 1930 et est devenu un agrafe dans des épopées, des drames, des parodies et même des publicités télévisées. Notamment utilisé dans John Boormans Arthurian Film, Excalibur, Oliver Stones Jim Morrison Biopic, les portes, ainsi que ses tueurs nés de Nénaturels de Flick 1994.

Marchez dans un manoir victorien (ou transylvanien) sombre et c'est ce que vous entendez. Il était en évidence lors des crédits d'ouverture de Rouben Mamoulians 1931 Adaptation du film de M. Jekyll et de M. Hyde. C'est probablement pourquoi cette pièce de musique d'orgue est devenue associée à tout ce qui est étrange. Également entendu dans le chat noir et les contes de la crypte pour des raisons effrayantes évidentes; Parodied dans Monty Pythons le sens de la vie et à l'extérieur du genre d'horreur dans le boulevard du coucher du soleil.

Mozart est le compositeur dont la musique est apparue la plupart des films et cette pièce particulière est la plus populaire. L'Allegro est généralement fixé contre les affaires posh, mais cela semble être infiniment plus populaire en tant que point de contraste comique - et qui meilleur que Ace Ventura dans un hôpital psychiatrique dans un tutu rose pour le prouver.

D'accord, cette mélodie peut avoir été popularisée par la canette de canette, mais à Baz Luhrmans Moulin Rouge, c'est utilisé spectaculairement. Pour convaincre le duc d'investir dans un spectacle à venir, la troupe pose une chanson et une danse improvisées définies à une interprétation frappante du galop infernal. Si excitant, le public piétonne et encouragera! Alors ravi, il va courir pendant cinquante ans!

Ce duo éthéré est écrit pour deux sopranos et est souvent effectuée par deux femmes. À Tony Scotts, la faim, sa fixation contre la séduction et la rencontre sexuelle entre Miriam et Sarah. Cela, en soi, est sensuel, mais lorsque le vampire miriam mord Sarah et le sang sont échangés, la scène devient infiniment plus érotique. (Passer à la note de quatre minutes dans le clip ci-dessus.) Depuis 27 ans, la scène a été laissée sans conteste, mais à Alexandre Ajas Piranha 3D, nous avons un concurrent digne. Le ballet sous-marin présente deux belles femmes (et nu) dansant sous-marines sous-marines entrelacées dans les sons du duo de fleurs. Laissez-nous savoir que vous préférez.

Theres une bonne chance que le premier des deux est votre air de réveil. L'appel aux vaches est l'une des deux pièces classiques les plus couramment utilisées pour suggérer le matin - l'autre est Edvard Griegs Peer Gynt Morning Mood. La finale, d'autre part, est plus réveillante - vous pouvez pratiquement entendre les chevaux en galopant. C'est parce qu'il a été utilisé comme thème pour solder Ranger. Les autres films qu'il sont apparus incluent Armageddon, une orange d'horlogerie et une histoire de jouets 2.

L'une des premières utilisations du thème du cygne est au cours de la séquence de crédit d'ouverture à TOD Brownings 1931 chef-d'œuvre Dracula. Cela définit efficacement le ton en tant qu'Ètatoire, mais magnifique dès le début. Tchaïkovsky a écrit Swan Lake comme ballet, et la pièce en revenait finalement dans les scènes de fermeture de Billy Elliot et prend une scène centrale à Darren Aronofskys Black Swan.