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Certaines des qualités les plus souvent associés au baroque sont la grandeur, la richesse sensuelle, le théâtre, le dynamisme, le mouvement, la tension, l'exubérance émotionnelle, et une tendance à brouiller les distinctions entre les différents arts.
Quelques caractéristiques générales de la musique baroque sont: MELODY: Une seule idée mélodique. RYTHME: entraînement rythmique continu. TEXTURE: Balance des homophonique (mélodie avec harmonie chordal) et les textures polyphoniques.
l'art baroque est souvent décrit comme exubérante, extravagante, et dramatique par rapport aux œuvres intellectuelles et plus sobres des périodes précédentes. Dans l'art baroque, le spectateur est invité à être un participant au travail - un peu comme quelqu'un qui regarde un film ou une pièce de théâtre est invité à participer à l'histoire.
Early Baroque compositeurs principal objectif dans la composition monodique était d'avoir la musique conforme au rythme naturel et le sens du texte. Ce fut une réaction à la polyphonie complexe de la fin de la musique chorale de la Renaissance dans laquelle le texte a été souvent obscurci par l'indépendance des différentes lignes.
la musique baroque est mélodieuse et très organisée et les mélodies ont tendance à être très décorées et élaborer. Musique de la période classique est ordonnée, claire et équilibrée. Période romantique: 1827 - 1900. Chopin, Mendelssohn, Schubert et Schumann composé au cours de la période romantique.
La période actuelle englobe le 20e siècle et le 21e siècle à ce jour et comprend l'ère musicale moderniste et l'époque contemporaine musicale ou Postmodern, dont les dates sont souvent contestés.
Le baroque mot vient du mot portugais qui signifie Barroco perle difforme, une description négative de la musique orné et très ornementé de cette période. Plus tard, le nom est venu d'appliquer aussi à l'architecture de la même période.
compositeurs clés de l'époque baroque comprennent Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc- Antoine Charpentier, Arcangelo Corelli, François Couperin.
Dans la musique classique occidentale l'époque baroque tardif, la dernière section de l'époque baroque, étend des années 1680 à environ 1750 CE. Les célèbres compositeurs de cette période sont Vivaldi, Telemann, Haendel et Bach.
Dérivé du Barroco portugais ou perle de forme étrange, le baroque terme a été largement utilisé depuis le XIXe siècle pour décrire la période dans la musique d'art d'Europe occidentale d'environ 1600 à 1750.
La musique de clavier de la période baroque a exposé les caractéristiques des autres formes d'art de la période: les modèles de plus en plus complexes et ornés et la nature et exquise de virtuosic la composition. Une autre caractéristique notable, étendu de la période de la Renaissance, a été l'influence d'autres cultures. La musique est devenue plus cosmopolite. Enfin, la caractéristique unique aux claviers de l'époque baroque a été l'introduction d'un continuo basso, qui était essentiellement l'extension d'une monodie (Wright 90). La musique a été écrite pour les instruments spécifiques, ce qui a encore les capacités étendues de complexité.
Le compositeur le plus souvent crédité pour presque universellement façonner la musique ancienne baroque est Johann Sebastian Bach, dont l'utilisation des improvisations et lui avait continuo basso fait tristement célèbre en son temps, mais aliéné le public. Pendant qu'il a aménagé le fondement de la musique baroque pour orgue et clavecin, c'était Lodovico Giustini qui l'a perfectionné. Son Sonate Da Chiesa a pris les possibilités du piano à la limite, en utilisant le vaste contraste dynamique et la modulation aux touches distantes (Neumannn 46).
La construction du clavecin n'a pas inclus les amortisseurs, ce qui a entraîné une plus longue résonation des chaînes. Pour compenser cela et éviter la sonorité sèche, l'utilisation de la pédale de maintien est conseillée. En outre, certains effets uniques à la musique baroque ne sont réalisables que tout en utilisant des pédales, telles que la structure rythmique ou ungato mettant l'accent sur une harmonie spécifique (Vartic Par. 4).
la musique écrite pour un organe utilise sa bonne sonorité qui reste stable tant que la clé est enfoncée (Vartic Par. 3). Le seul moyen de simuler cet effet consiste à utiliser la pédale de maintien. Le commutateur des registres d'organes peut, à son tour, être simulé avec la pédale douce.
L'utilisation de la pédale dans la musique classique est plus compliquée. La majorité des compositions exigent un calcul et une précision dans l'application de la pédale. Presque toutes les œuvres de l'ère classique, y compris celles de Mozart et de Haydn, sont traditionnellement jouées sans appliquer la pédale, bien que le désaccord mineur sur cette question existe parmi les érudits musicaux. Son utilisation est la plus caractéristique de la période de transition à l'ère romantique, notamment dans des œuvres répertoriées par Beethoven dans sa période de travail tardive. (Vartic par. 5).
La musique baroque est apparue simultanément à travers l'Europe et, bien que son influence mutuelle était apparente, plusieurs tentatives ont été réalisées par des compositeurs de différents pays pour créer un style de musique distinct, unique à une nation particulière. Ce phénomène, connu sous le nom de nationalisme musical, était particulièrement apparent en musique baroque française et italienne. Alors que les deux variations utilisées de Basso Continuo, les Italiens ont largement suivi la tendance générale des compositions virtuoses et des structures très ornées, tandis que les Français composaient de la musique plus subtile et plus éloquente. Jean-Baptiste Lully est l'exemple parfait de ce dernier, car toute sa musique présente la puissance et la vivacité et convient parfaitement à la danse.
Lully est crédité pour l'invention de l'ouverture française - la forme musicale non caractéristique du reste de l'Europe, puis utilisée par Bach. Celles-ci sont contrastées par Alessandro Scarlatti, dont le style célèbre, tout en crédité comme une transition vers la période classique, présente toutes les caractéristiques riches et complexes des détails pour la période baroque tardive, y compris l'expérimentation avec des modulations et des longueurs de phase (Bachus 107).
tandis que ses contributions au genre de clavier ne sont pas nombreuses, la complexité de sa musique peut être adaptée à celle de Johann Sebastian Bach. George Frideric Handel peut sans doute être nommé un représentant de la tradition baroque allemande, malgré l'emploi à Londres pendant une période considérable. Bien que sa musique soit principalement basée sur l'école italienne, l'influence de la tradition polyphonique allemande et des harmonies en quatre parties perfectionnées par Bach sont apparentes (Williams 21).
L'une des formes musicales émergées pendant la période baroque était la sonate. Au cours de la période baroque tardive, les Sonatas étaient principalement écrits pour les instruments à cordes et existaient sous la forme de base, avec la multitude des formes harmonique qui servaient de base à celle-ci. Le seul compositeur qui a accordé suffisamment d'attention à cette forme musicale était Domenico Scarlatti, qui a composé plus de cinq cents d'entre eux.
Avec l'arrivée de l'ère classique et le passage du clavecin au piano, des sonates ont augmenté à une énorme popularité, ont été cimentés, définies comme une forme et ont atteint la majorité de leurs caractéristiques. À ce stade, de nombreux compositeurs classiques leur ont contribué, notamment Beethoven, Mozart, Schubert, Haydn et Clémenti. Ce dernier était particulièrement prolifique, composant plus d'une centaine de sonatas de piano et établissant une norme toujours entretenue aujourd'hui avec son opus 2.
Vers l'époque romantique, Sonatas ont perdu leur popularité en faveur d'autres genres. Franz Schubert et Franz Liszt ont interprété la forme à Wanderer Fantasie et Sonata en B mineur, respectivement, ajoutant respectivement la complexité et les éléments programmatiques inégalés (Gibbs 144).
La déviation entre les genres de piano contemporains est énorme. D'un côté du spectre sont des compositeurs minimalistes, comme Steve Reich et Philip Glass, bien que le verre se distancie de la définition de minimaliste et souligne le fait que son utilisation du contrepoint et l'harmonie lui place parmi les musiciens de l'époque classique. Reich, d'autre part, est plus innovante avec son utilisation de motifs rythmiques lents et phasage. Compose la belle, envoûtante, presque la musique hypnotique qui est facilement accessible par le grand public, au point où il est utilisé dans des longs métrages, comme Koyaanisqatsi, avec les morceaux de verre, et la variété des œuvres de Reich dans la musique électronique . De l'autre côté du spectre sont des œuvres de James Dillon, qui mettent en évidence la complexité et les évolutions au point où aucun passage se répète dans un seul travail.
Notre objectif est historiquement informé des performances, ce qui signifie que nous présente la musique historique dans un lieu de manière à l'heure et le lieu où elle se composait. Nos performances disposent d'instruments historiques jou les normes stylistiques des époques antérieures.
Comme notre nom l'indique, l'Orchestre Philharmonia Baroque & Chorale s'engage à la musique de l'époque baroque en Europe (définie comme la période couvrant 1600-1750). Notre programmation, cependant, couvre une période plus large. Nous explorons l'époque baroque (en particulier sa deuxième demi), la totalité de la période classique (définie comme la période couvrant 1750-1820), et les premières années de la période romantique (habituellement décrite comme à partir d'environ 1820).
la musique baroque sert de base à tout ce qui est communément appelé la musique classique. Les musiciens de l'époque baroque a élargi la variété et la complexité de la musique. De nombreux termes et concepts musicaux utilisés aujourd'hui ont été créés à ce moment-là. instruments d'orchestre développés formes et fonctions que nous reconnaissons encore. genres musicaux importants, tels que l'opéra, pris racine. compositeurs tels baroques majeurs comme Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi et George Frideric Handel-restent largement connus.
L'époque baroque trouve plaisir en détail riche. Sa polyphonie musicale a souligné, ce qui signifie que plusieurs voix mélodiques indépendantes sont exprimées simultanément. Le résultat est une composition à plusieurs couches ou multi-texture, souvent renforcée avec l'ornementation musicale élaborée. La beauté complexe de la musique baroque reste aujourd'hui très attrayante.
L'ère baroque évolué dans la période classique de la musique, couvrant à peu près du milieu du 18ème jusqu'au début du 19ème siècle. La période classique évalué ordre et de clarté dans les arts. Dans la musique, l'accent se détourna de la polyphonie et vers un plus dominant la voix mélodique. Les compositeurs ont cherché à créer et exprimer des structures formelles au sein de leur musique. Une partie du plaisir de l'auditeur provient de l'ouïe et l'identification des éléments de structure au sein d'une composition. Bien-aimés compositeurs classiques comprennent Wolfgang Amadeus Mozart et Franz Joseph Haydn.
La période classique a évolué dans la période romantique, à partir du début du 19ème siècle. L'ère romantique mis l'accent sur l'expression individuelle. Les compositeurs ont cherché à transmettre la puissance émotionnelle et l'intensité -et de mettre un timbre très personnel sur leur musique.
Beaucoup de gens considèrent Ludwig van Beethoven comme un romantique modèle, à cause de sa passion, la musique facilement identifiable. En réalité, la durée de vie des compositeurs à cheval sur les périodes classique et romantique - et les chercheurs continuent de débattre de la meilleure façon de positionner sa carrière dans l'histoire musicale. Musique a évolué rapidement à la fin du 18e et début du 19e siècle, et Beethoven est parmi à ce moment un certain nombre de compositeurs actifs dont le travail reflète cette transition.
Un compositeur qui tombe plus solidement dans le début de la période romantique est Felix Mendelssohn-qui, fait intéressant, était un défenseur de la musique de l'époque baroque! Mendelssohn a beaucoup contribué à raviver l'intérêt pour J. S. Bach et Haendel, par exemple, et aujourd'hui encore, Mendelssohn reste une source d'inspiration pour ceux qui chérissent exécution historique.
Comme le 19ème siècle a progressé, la performance orchestrale régulièrement déplacé vers sa forme moderne. Les styles et les techniques ont évolué. Orchestres et leurs salles de concert sont devenus plus grands. Les instruments ont été normalisés dans leur construction et des matériaux, et donc dans les sons qu'ils produisent. Complètement nouveaux instruments sont apparus. Certains instruments plus anciens mais tous ont disparu de la scène de concert.
L'orchestre moderne est une création merveilleuse. Il offre des possibilités intéressantes d'entendre la musique de plusieurs époques. Mais par sa nature même, il adapte ou modernise la musique composée pour les instruments antérieurs, des techniques et des paramètres. Essentiellement, une nouvelle idée du son est appliquée aux compositions plus anciennes.
Les performances historiquement éclairées sont apparues au XXe siècle afin de fournir une alternative importante - une alternative qui présente souvent plus grossière (et parfois idiosyncratique) sonne que les publics historiques auraient connu et apprécié. C'est une nouvelle pratique musicale qui ravive et préserve les aspects du passé.
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