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hier a marqué le dixième anniversaire depuis le début cinématographique de Drive, un film central de voiture de haut-octane de Nicolas Winding Refn, qui n'obtient probablement pas le crédit qu'il mérite de tirer Ryan Gosling hors de son ornière comme un plomb romantique et l'établissement lui comme un acteur sérieux et dramatique. Sans lecteur, nous n'aurions pas le coureur de lame 2049 - ou du moins, nous n'aurions pas Ryan Gosling dedans. En regardant l'héritage du film cependant, c'est à peu près tout ce que vous pouvez en dire à ce sujet. Cela a aidé à Gosling's Carrière. La fin. Mais cela aurait dû être un moment de bassin hydrographique pour un genre qui va toujours faire une décennie plus tard. Le lecteur était une bouffée d'air frais, mais nous le laissons tous passer par. Dix ans, cela vaut la peine de lui donner un crédit.

lecteur était un film sur un homme - connu que comme le conducteur - dont le travail de jour est un cascade de course pour Blockbusters hollywoodiens. La nuit, il est un pilote d'escapade pour la location, aidant les voleurs de banque et les conmens échapper à la police à grande vitesse, tout en gérant de manière transparente à se fondre dans le public et à laisser tout le monde se disperser en toute sécurité. Il a une moyenne inverse moyenne 7. sur IMDB, et un identique 78 sur métacritique, bien que des critiques ont tendance à être plus sévères, avoir le même score est une nouvelle décente sur le front critique. Cela caractérise le problème avec le lecteur - Beaucoup de gens se souciaient davantage de ce qu'ils n'ont pas vu que ce qu'ils ont fait.

Un score critique de 78 n'est toujours pas une approbation universelle, mais beaucoup plus intéressant sont les critiques d'audience. Ce n'est pas comme des jeux avec un lecteur de retour à l'examen de celles et des zéros pour s'ouvrir à Odéon et non cineworld ou pour une femme - les scores sont traînés par Fives, SIXES et SEVENS, décryptent le film comme "ennuyeux", "ennuyeux", "ennuyeux", "ennuyeux", "ennuyeux", "ennuyeux". et "lent". C'est un film sur les poursuites sur la voiture où les gens sont battus à mort avec des marteaux. Ce n'est pas ennuyeux. Mais ce n'est pas non plus un film d'action typique, et c'est le problème - mais le problème n'est pas avec la conduite pour faire quelque chose de différent, c'est avec des films d'action pour faire la même chose encore et encore.

Ça voulait vieillir quand conduire il y a une décennie il y a une décennie et, à présent, cela devrait vraiment être mort. Dwayne Johnson a joué dans deux films différents sur un gratte-ciel étant détruit en 2018, ayant trois ans plus tôt joué à San Andreas, où sont détruits un groupe de bâtiments. Ils sont tous sur des héros masculins réticents, souvent avec des problèmes familiaux, qui sont forcés d'agir, sauvant la journée avec une violence juste tout en apaisant et à s'éloigner des explosions sans regarder en arrière. C'est l'intrigue de Die Hard, et cela est sorti en 1988. Pourquoi le faisons-nous toujours?

Il y a des flicks d'action qui essaient d'être différents. Guy gratuit a un concept roman et a connu un énorme succès cette année, tandis que le milkshake poudre de poudre secs assez bien la formule. L'un des films d'action les plus réussis de la décennie, John Wick résiste également aux explosions lourdes VFX, allant des cascades bien coordonnées et des scènes de combat intimement chorégraphiées.

Surtout, ce sont les festes de Superhero Schlock, Fast & Furious ou un acteur n ° 3 du muscle générique # 3 dans les explosions sont cool. Clairement, les gens comme ça. Je ne peux pas comprendre pourquoi. Mais ils le font, et ces personnes voulaient conduire pour être ce genre de film. Si plus de gens avaient compris ce que c'était en fait censé être, peut-être que cela se souviendrait de plus tendue aujourd'hui aujourd'hui.

Dans un paysage où tant de films d'action sont forts, la conduite était silencieuse. Bien qu'il rejette le modèle typique des enjeux plus élevés et plus élevés avec des boissons plus grandes et plus grandes, il y a étonnamment peu de dialogue. Beaucoup de scènes sont deux personnages qui ne font que parler, seulement ils ne parlent pas vraiment. Ils se regardent. Ils pensent. Regardez, je sais que cela ressemble à ce que j'écris cela tout en portant un tweed et appuyant sur une tuyau d'argile, mais si vous mettez deux personnes maladroites, retirées, des personnes de pointe ensemble, c'est le résultat. Les scènes dans le lecteur sont très réelles, car elles ont l'impression de tenter de capturer ce moment de silence partagé entre deux personnes qui ne savent pas vraiment comment communiquer comment ils se sentent. Il ne se sent pas, comme si de nombreux films d'action font, comme si cela avait été écrit pour vous faire rire, ou d'entrer dans un zinger pouvant aller un jour de fin sur un t-shirt de merde.

Nous n'avons même pas encore eu la conduite. Ce n'est pas vraiment quelque chose que d'autres films peuvent apprendre de - c'est un film incroyablement centré sur la voiture - mais compte tenu du nombre de poursuites de voiture légendaires dans les archives cinématographiques, ce qui est capable de faire quelque chose de complètement différent de tous est un énorme crédit à sa créativité.

Il s'ouvre avec une séquence de conduite de 12 minutes de 12 minutes avec pratiquement aucun dialogue. Je reçois cela, ajouté à ce que je viens de dire à propos des personnages qui parlent sans parler, semble justifier tous ces avis "de ce type d'ennui", mais combien de films d'action pouvez-vous penser à ceux qui ont les pierres à dire 'Ouais, vous aimez voiture poursuit? Voici 12 minutes d'un. Tais-toi '- il fait confiance à son public et que le même public a acheté des billets s'attendant à avoir sa main tenu pendant qu'un megahunk tenait sa main et a souligné des flammes brillantes VFX.

tandis que vaporwave bat la tranchée de la voiture stéréo, les mains enveloppées de cuir du conducteur glissent sans effort le véhicule d'escapade sur des ruelles incroyablement serrées, tonneront dans l'asphalte, déshabillant autour des coins serrés et éventuellement glisser silencieusement dans un parking, la police perplexe, le travail fait. Le lecteur ne saute pas sur l'action - il s'agit toujours d'un film d'action, peu importe son atypique - mais il comprend comment raconter une histoire au rythme et avec des couches bien meilleures que les blockbusters génériques que le genre est toujours en proie à aujourd'hui. Dix ans, cela mérite une seconde chance.

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Stacey Henley (861 articles publiés)

Stacey Henley est le rédacteur en chef à TheGamer et peut souvent être trouvé voyageant au bord de la Terre, mais uniquement dans les jeux vidéo. Trouvez-la sur Twitter fivetAtiny

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A24

Quand on pense que des films romantiques, nos esprits vont plus souvent directement à Rom-Coms, le sous-genre de romance le plus vivifié. Cependant, des histoires romantiques peuvent être trouvées dans des fantasmes, des films de guerre, des épopées historiques, des adaptations littéraires et des drames indie, parmi de nombreux autres genres. Pendant que je profite d'un rom-com au fromage, mes films romantiques les plus aimés et les plus réputés sont plus susceptibles d'être des drames ou des films d'époque. Et c'est pourquoi vous n'allez trouver que sur une ROM-COM sur cette liste des 10 meilleures romances de la dernière décennie.

Je veux développer votre esprit en ce qui concerne ce qu'un film romantique peut être, et vous aider également à découvrir le meilleur de ce que la dernière décennie nous a offert, y compris une excellente gamme de films LGBTQ +. Cette liste propose des vampires, des voyages de temps (de types), des artistes français du XVIIIe siècle, des agriculteurs du Yorkshire et de deux films situés en Louisiane, prouvant que c'est le plus romantique des 50 états. Asseyez-vous en arrière, détendez-vous et naviguez avec une histoire d'amour pour les âges ...

Prenez cette waltz

Media MONDREL

Nous commençons par une vision assez compliquée de la romance - celle d'un mariage affecté par une liaison émotionnelle. Margot (Michelle Williams) est heureusement mariée à Lou (Seth Rogen) quand elle rencontre Daniel (Luke Kirby). Elle est déterminée à rester fidèle à Lou, qui est un homme bon (et qui fait du bon poulet), mais continue de rencontrer Daniel régulièrement. Ils ne font jamais quelque chose de physique, et des décrets de Margot qu'ils peuvent "partager un baiser après avoir été fidèle depuis 35 ans, car elle l'aura gagné."

Le réalisateur canadien-réalisateur Sarah Polley peint un portrait attrayant de la communauté artistique de Toronto dans "Prendre cette waltz". La tension sexuelle entre Williams et Kirby monte au point d'ébullition et Margot décide qu'elle va quitter Lou après tout. Fait intéressant, au lieu de mettre fin là, Polley poursuit l'histoire, montrant comment Margot et Daniel deviennent une place, deux ennuyeux.

Tous les départs de relations avec enthousiasme et, parfois, le Frisson de danger, mais réglera inévitablement quelque chose d'autre. Les gens de la nécessité de faire évoluer la relation avec elle. Polley ne fait pas un conte de édifiant sur l'herbe étant pas toujours plus verte, mais plutôt un désordre, regard complexe sur les pics et les creux de l'amour.

Clair de lune

A24

2016 et 2017 ont été des années de bannière pour les histoires d'amour LGBTQ + sur le film, avec « Call Me par Votre nom », « Professeur Marston et Wonder femmes » et « Princesse Cyd » pour ne citer que quelques-uns. Alors que Barry Jenkins' « Moonlight » est malheureusement surtout connu pour le mix-up Oscar avec « La La Land, » il est une belle histoire à venir-de-âge, avec six acteurs jouant deux personnages à travers l'enfance, l'adolescence et l'âge adulte.

Ashton Sanders et Jharrel Jérôme jouent Kevin et Chiron comme les adolescents, qui explorent les uns les autres dans une scène de plage magnifiquement éclairée. Le moment le plus puissant vient quand Kevin (maintenant joué par Andre Holland) et Chiron (Trevante Rhodes) se rencontrent à nouveau comme des adultes dans le café-restaurant de Kevin, après avoir passé une décennie à part.

L'utilisation de la préparation des aliments comme langue d'amour, le score de Nicolas Britell, le cinéma de James Laxton, et la dynamique de la effusive Hollande par rapport à la Rhodes se combinent tous stoïque pour rendre cette scène vraiment magique, avec la tension de la chimie sexuelle très apparente entre eux. « Moonlight » est le meilleur du meilleur film gagnant de la décennie, et une romance épique dit à travers deux jeunes vies.

Le chanceux

Warner Bros. Pictures

J'ai une faiblesse (juste l'un, bien sûr): Nicholas Sparks adaptations. Je l'ai vu tous ces ringards Weepies, beaucoup d'entre eux plusieurs fois. Le plus célèbre et le meilleur est, bien sûr, "The Notebook" avec Ryan Gosling et Rachel McAdams. Mais la meilleure est "The Lucky One", mettant en vedette Zac Efron et Taylor Schilling.

Efron joue Logan, un marine américain qui marche du Colorado à la Louisiane à la recherche de la femme dans une photographie qu'il a trouvé en Irak. Il localise la femme, nommée Beth (Schilling), mais n'explique pas pourquoi il est là. Au lieu de cela, il prend un emploi avec elle, les soins et la formation des chiens. Logan se rapproche avec le fils de Beth et les affrontements avec son ex-mari.

Comme tous les films Sparks, le paysage de la Louisiane est magnifiquement tourné, filmé la plupart du temps à l'heure d'or, et partage Beth une belle grande maison avec sa grand-mère, joué par Blythe Danner. Si vous ne l'avez pas vu un film basé sur l'une des histoires de Sparks avant, vous pourriez être surpris d'apprendre qu'ils ne sont pas seulement romances détrempées. Ils sont aussi très sexy. Telle est la définition d'un film me de confort, et je l'ai vu plus de fois que je l'admettre.

Portrait d'une dame sur le feu

Films Pyramide

« Chaque cadre est une œuvre d'art » peut-être un cliché, mais dans le cas de la cinématographie de Claire Mathon, il est aussi proche que possible d'être vrai. Tous les aspects de la « Portrait d'une dame sur le feu » est méticuleusement conçu dans ses moindres détails de Céline Sciamma, mais il est loin d'être froid ou austère. Noémie Merlant et Adèle Haenel jouent un peintre et son sujet, jetés ensemble sur une île française isolée à la fin du 18ème siècle. Alors que Héloïse (Haenel) se prépare à un mariage qu'elle ne veut pas, Marianne a du mal à faire comme un artiste dans un domaine dominé par les hommes. Ils tombent amoureux, sachant que leur temps ensemble doit être éphémère.

Mis à part l'histoire d'amour central, il y a aussi des scènes de solidarité féminine superbes, y compris les femmes qui chantent dans les tours autour d'un feu de joie et une scène d'avortement inoubliable. Éléments d'histoires de fantômes gothiques, les mythes grecs, et l'opéra sont étroitement liés dans l'un des films à couper le souffle le plus visuellement depuis des années. Merlant et fournissent le noyau HAENEL émotionnel et Sciamma peint une belle toile de fond autour d'eux.

Uniquement les amoureux resteront en vie

Pandora Film

Quoi de plus romantique qu'un amour siècles des travées, défiant le temps, l'âge et la consommation de sang pour survivre? Dans "Only Lovers Left Alive," joue Tom Hiddleston Adam, un musicien à Detroit. Tilda Swinton joue sa femme Eve, un amoureux de la littérature à Tanger. En dépit de la distance physique entre eux, ils sont étroitement liés - oh, et par ailleurs, ils sont tous les deux vampires.

Cependant, Adam est de plus en plus fatigué d'être immortel, et Eve s'inquiète de lui. De plus, leur existence est menacée quand sœur insouciante Eve visites Ava (Mia Wasikowska). Hiddleston et Swinton allaient toujours faire quelques convaincant, et ce, avant d'ajouter dans la fraîcheur très vamp vibes. L'utilisation de plans généraux associés à la conception détaillée de la production, en particulier gadgets analogiques Adam et instruments anciens, en fait une vision de rêve d'un détail, habité dans le monde. Adam et Eve peuvent être jetés éloignés, mais ils sont toujours tirés en arrière ensemble, et leurs endure d'amour.

Le pays de Dieu

Picturehouse Divertissement

Un émotionnellement retard de croissance et jeune agriculteur solitaire dans le nord de l'Angleterre a son monde ouvert par l'arrivée d'un travailleur migrant de l'Europe dans cette histoire d'amour étrange rafraîchissant. Johnny (Josh O'Connor) vit avec son père (Ian Hart) et grand-mère (Gemma Jones) et slogs il dans le paysage rude par jour, tout en obtenant en état d'ébriété et d'avoir des rapports sexuels occasionnels la nuit. Une fois Gheorghe (Alec Secareanu) arrive de Roumanie pour aider à la ferme, il enseigne Johnny différentes techniques d'agnelage, la fabrication du fromage, et l'amour.

Francis Lee « propre pays de Dieu » fournit quelque chose de différent dans le monde des films d'amour gay pour deux raisons. Premièrement, il est pas un coming out histoire - Johnny est assez ouvert sur sa sexualité, il ne peut pas gérer les relations. Deux, il a une fin d'espoir. Il n'y a pas de tragédie, pas de violence homophobe, et sans SIDA. Johnny a tout simplement sortir de sa manière et se permettre d'être heureux.

O'Connor est maintenant un gagnant Emmy Award pour jouer le prince Charles sur « La Couronne », mais c'est un rôle totalement différent en termes d'accent et physicalité, ce qui démontre sa gamme en tant qu'acteur. C'est une belle histoire d'amour britannique.

Adaline

Lionsgate

Blake Lively, Michiel Huisman, et Harrison Ford star dans ce film sur Adaline (Lively), une femme qui a eu un accident dans les années 30 et qui n'a pas vieilli d'un jour depuis. Pour éviter que les gens à se méfier, elle change des villes et assume de nouvelles identités chaque décennie. Tout en se préparant à faire un de ces mouvements, Adaline rencontre Jones Ellis (Huisman), qui tombe immédiatement pour elle et présente son à ses parents.

Il se trouve que son père, William (Ford), est le seul autre homme qui Adaline elle-même permis d'avoir une relation avec - leur affaire déplié au cours des années 60 et 70, avant qu'elle ne les pieds froids et se sont enfuis . L'un des aspects les plus extraordinaires de ce film est Anthony Ingruber, qui joue le jeune William. Il n'y a pas CGI ou supercherie impliqué - il regarde comme, sonne comme, et a les mêmes tics comme un jeune Harrison Ford.

La dernière décennie nous a présenté quelques films fins. Si vous avez besoin de divertissement cinématographique, voici les meilleurs films des 10 dernières années.

L'une des parties les plus frustrantes de nuit de film est le défilement sans fin que nous subissons afin de trouver le bon film. Nous espérons que les images vacillantes d'une remorque peut attraper notre fantaisie. Mais il ne tarde pas avant que nous sommes de retour à la planche à dessin, à la recherche d'un film qui va divertir toute la salle. Heureusement, il n'y a pas eu de pénurie de films fantastiques qui ont été publiés dans la dernière décennie. Superheroes dansaient sur les écrans de cinéma, Leonardo DeCaprio ont permis aux membres du public une course pour leur argent. Et même quelques-uns des derniers films pour enfants ont soufflé loin téléspectateurs, qui sont quelques-uns des meilleurs films des 10 dernières années.

Les meilleurs films au cours des 10 dernières années sont truffés de pensée parcelles et probablement provocateurs divertir même les critiques les plus durs. Nous avons compilé un guide pour certains de nos films préférés afin que vous puissiez mettre votre défilement fin. Que vous soyez un fan de science-fiction et que vous souhaitez une date avec des étrangers ou des films que vous préférez avec une intrigue plus enjouée, il y a une option pour vous parmi les meilleurs films des 10 dernières années.

Si vous cherchez une version contemporaine de La Belle et la Bête, vous devriez regarder la forme de l'eau. Ce film capture la vie de Elisa Esposito et une expérience scientifique qui ont fishy une rencontre fortuite. Esposito est un concierge dans un laboratoire scientifique. Elle a été abandonnée comme un enfant et est muet. L'homme est un amphibien projet scientifique du gouvernement américain. Quand les deux se rencontrent, feux d'artifice se produire. il voit des morceaux d'eux-mêmes dans l'autre. Et une histoire d'amour dénoue.

Réalisé par Guillermo Del Toro, vous pouvez vous attendre le même type de style que beaucoup de ses films précédents. fantasy, mi-action cinéma et histoire d'amour partiel, La forme de l'eau prend les membres du public dans un nouveau domaine de possibilités.

Ce film a d'abord été publié en 2017. La musique a été écrite par Alexandre Desplat. Et le film met en vedette Sally Hawkins et Doug Jones. Les caractéristiques et effets spéciaux dans ce film font une histoire unique et inspirante. Le rythme de film est parfait, qui nous conduit le long sans bosses étranges ou des retards. Et la conception de la couleur est incroyable. En tant que film nominale R, les téléspectateurs devraient attendre une certaine quantité de sexe et de nudité. Mais si vous le faites à la fin de ce film, vous poserez des questions comme: Pourquoi aimons-nous qui nous aimons? Existe-t-il une limite morale ou éthique qui devrait être appliquée en matière d'expériences scientifiques. Que se passe-t-il quand l'amour et la science se mélangent? Guillermo del Toro fait un travail formidable de poser ces questions dans la forme de l'eau.

Principales caractéristiques

Caractéristiques

Avantages

Les inconvénients

À l'intérieur, un enfant de 11 ans (Riley) s'éloigne de sa maison avec sa famille. Lorsque les événements de sa vie ne se déroulent pas comme si elle veut qu'ils se déroulent, ses émotions internes sont ébranlées. Inside Out nous emmène dans un voyage interne. Qu'est-ce que c'est comme quand les émotions comme la colère, la peur, la joie, l'envie et la dépression sont incontrôlables? Quels sont les effets potentiels à long terme d'avoir à court d'émotions? Inside Out cherche à répondre à ces questions d'une manière relativable et légère.

Ce film n'est que de 1 heure et 34 minutes de longueur. C'est animé et noté PG pour les enfants. Sortie en 2015, c'est un film relativement récent. Et sur sa libération, il a reçu une pléthore de récompenses comme le prix de la BAFTA, le Golden Globe Award, le Prix de Choice des critiques, le Prix d'Annie Award, Satellite Award et Academy Award pour la meilleure fonctionnalité animée. Ce n'est pas étonnant pourquoi les fanatiques cinématographiques louanges à l'envers. Les idées qui nous portent à travers la parcelle sont tactiques et intelligentes. Mais ce film enseigne également des leçons sur l'équilibrage des émotions, ce qui est pertinent pour les personnes de tous âges. La livraison des lignes et le rythme de ce film énorme l'histoire avec l'humour. Il n'est pas difficile de tomber amoureux de chacun des personnages.

Les sujets sous-jacents du film peuvent être difficiles pour que de jeunes enfants puissent saisir. Mais le scénario reste pertinent. Si vous recherchez un film réconfortant qui est plein de moments inspirants, à l'intérieur de vos meilleurs paris.

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La mère de George s'ouvre avec un beau mariage nigérian. Ayodele (Isaach de Bankolé) et Adénike (Danai Gurira) rejoignent les mains dans le mariage. Peu de temps après, le duo tente de concevoir un enfant. Ils veulent construire une famille mais semblent être incapables de le faire. Après avoir vu la lutte continue, Mama Ayo éclattait un plan et essaie de convaincre Adénike de concevoir un enfant avec un autre homme.

noté R, la mère de George ne convient pas aux auditoires des enfants. Andrew Dosunmu est le directeur de ce film. Et c'est une production d'oscilloscope. Communiqué initialement publié en 2013, ce film a reçu des éloges élevés pour répondre aux questions difficiles. Que se passe-t-il quand vous êtes censé être une mère? Que faites-vous si vous êtes incapable de concevoir un enfant? Quel rôle la culture a-t-elle dans les décisions que nous faisons? De nombreux téléspectateurs luttent avec le style de direction d'Andrew Dosunmu. Mais la parcelle, le réglage, le travail de la caméra et les éléments culturels portent le film en avant.

La mère de George se déroule au Nigéria et aux États-Unis. La parcelle est considérée comme provocante, l'acteur est convaincant et la culture est hypnotique. Les membres du public renforcent lentement les membres de rester attachés au film avant de récolter les avantages. Mais si vous faites, ça en vaudra la peine. Isaach de Bankolé et Danai Gurira impressionnent continuellement les téléspectateurs avec leurs talents. Si vous êtes quelqu'un qui valorise une perspective curieuse et culturelle en maternité, la mère de George est un film musqué. Le scénario est le genre qui vous empêche de penser longtemps après la fin du film.

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elle est une version 2013 qui étourdit les membres du public avec son script magistral. Dans ce film, Theodore Twombly (Joaquin Phoenix) est un homme déprimé et solitaire qui travaille pour une entreprise qui compose des lettres personnelles. Alors que Twombly traverse un divorce avec son cœur d'enfance, Catherine (Rooney Mara), il achète un système d'exploitation avec AI. Ce n'est pas long avant de rendre le système dans une femme (Scarlett Johansson) et observe sa croissance et sa développement en tant qu'être. La romance en herbe entre Twombly et son système d'exploitation est difficile à admettre, au début.

écrit et dirigé par Spike Jonze, elle fait un beau travail d'exploration de ce que cela signifie aimer. Joaquin Phoenix, connu pour ses performances convaincantes et engagées. Scarlett Johansson, qui joue la partie du système IA (Samantha) est aussi convaincante. La musique de ce film est en feu d'arcade. Et les producteurs avaient un budget de 23 millions de dollars pour créer ce chef-d'œuvre.

Si vous recherchez un film digestible avec des moments romantiques, elle pourrait vous offrir juste cela. À mesure que l'intrigue prend des téléspectateurs dans l'avenir de l'AI, nous sommes obligés de s'attaquer à des questions qui entourent l'intimité et l'amitié. Elle a été principalement filmée à Los Angeles avec des moments à Shanghai. Ce n'est pas étonnant pourquoi ce film est devenu gagnant un prix de l'académie avec une jette comme celle-ci. Non seulement Joaquin Phoenix et Scarlett Johansson Captivate Public Membres, des acteurs tels que Amy Adams, Rooney Mara et Olivia Wilde ajouter à la profondeur de cette histoire.

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Andrew Bennett, un enfant de 10 ans de Springfield, fait que ses rêves deviennent réalité, mettant en vedette la prochaine comédie familiale, "les chiens de junkyard".

Le film porte sur un chien nommé Houdini qui est un artiste d'évasion maître, selon IMDb et fait équipe avec d'autres chiots pour empêcher leur quartier. Bennett joue à Dominic Sullivan, qui aide les chiots à arrêter des voleurs frontales, date limite signalée, tandis que l'actrice bien renommée, Denise Richards, joue à sa mère.

"C'est une très bonne histoire de famille. C'est une comédie, que je suis très excitée pour les rires parce que je suis une sorte de gars drôle moi-même moi-même », a déclaré Bennett à Masslive.

Bennett, une quatrième niveleuse à Frederick Harris School, a agi pendant environ deux ans et demi.

"C'était en fait mon premier film, qui était en fait assez esprit-soufflant", a déclaré Bennet. Dans le passé, il a fait des publicités ainsi que des spectacles vivants et dit qu'il aime juste divertir les gens.

Bennett a beaucoup de souvenirs de tournage du film, notamment notant les chiots.

"Tous les chiens ont été très bien formés. C'était incroyable », a déclaré Bennett, rappelant des moments où il devait jouer avec eux lors de sa pause déjeuner et comment ils sauteraient du dos du formateur pour attraper les frisbes.

"Mes moments préférés de filtration répondaient probablement à tout le peuple parce que tout le monde sur le plateau était si gentil", a déclaré Bennet. «J'aimerais faire un autre, c'était génial. Je l'ai aimé."

Mais bien sûr, en tant que quatrième niveleuse, il a dû équilibrer l'école avec tournage. Une fois qu'il ait atterri le rôle, les parents de Bennett laissent le directeur principal quand il serait sorti. Bennett a fini quatre jours disparus, mais était facilement tenu sur ses travaux scolaires, car les enfants étaient tenus de terminer deux à trois heures de travail scolaire tous les jours.

Son père, Jeff Bennett, a remercié l'école de lui avoir permis l'opportunité.

Les productions Verdi Company, filmées dans Connecticut, a-t-il ajouté, ce qui lui rendit pratique pour les Bennett comme ils pouvaient aller d'avant en avant de Western Massachusetts.

En fait, les parents de Bennett ont été un fort système de soutien pour leur fils en cours de route, en affichant leur excitation à Facebook tout au long de la tournage.

Quand Andrew a obtenu le rôle, sa mère, Carly Bennett a affiché: "Il semble que madelyn et moi avons été remplacés", plaisant de la façon de faire la chasse de sa mère et d'une soeur dans le film.

"C'est absolument surréaliste et accablant pour moi que Andrew se déroulera de faire sa chose avec des célébrités réelles dans quelques semaines de courtes semaines ... je n'ai aucun doute dans mon esprit que ce sera le premier de nombreux grands projets pour cela mec!" elle a ajouté.

Jeff Bennett a noté à quel point Denise Richards et Patrick Muldoon, un autre acteur dans le film, étaient avec les enfants.

Comme le tournage a été enveloppé samedi, Carly Bennett a posté une photo sur Facebook d'Andrew étreignant le directeur, Jacob Cooney, avec des larmes à ses yeux.

"Si cette photo ne montre pas à quel point Andrew est passionné de ce qu'il fait, que je ne sais pas ce qui va", a-t-elle écrit. "Merci Jacob Cooney pour avoir croire à Andrew et lui permet de travailler sur ce projet avec vous, comme vous pouvez le constater, il aimait tout moment et ne voulait jamais qu'il finisse!"

Mais c'est loin de la fin de Andrew Bennett, comme il a déjà commencé de nouveaux projets. Il va star comme Olaf dans le spectacle à venir du théâtre de la Communauté Saint-Micheal, "gelen". Il a également eu une audition mercredi pour faire du travail VoiceOver pour Nickelodeon.

Et Bennett est engagé dans son rêve. Il est signé avec DDO Kids, une agence de talent à partir de New York et de Los Angeles, travaille avec des modèles JC et des acteurs de Connecticut et prend des cours vocaux et des cours d'acteur. Vous pouvez même le repérer chanter l'hymne national du match de football de Wilbraham Falcons ce week-end.

"Les chiens de junkyard" sont prévus pour être libérés à la mi-2022.

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Nicolas Winding Refn préfère tirer de ses films chronologiquement, de sorte que nous réfléchissons à l'anniversaire de 10 ans de lecteur, nous pourrions aussi bien commencer par la séquence d'ouverture. Utilisation d'une exposition minimale - une décision appropriée Considérant que le personnage principal n'est jamais donné de nom: le film établit que notre protagoniste (joué par Ryan Gosling) est un pilote d'escapade à embaucher au sein du coussin criminel de Los Angeles. Le conducteur - c'est ce que nous l'appellerons - donne à ses collaborateurs une fenêtre de cinq minutes pour faire leur truc, un vol à moitié assuré que REFN a peu d'intérêt à expliquer. (Pour paraphraser une citation emblématique d'un film dont le réalisateur tente d'émuler: la conduite est le jus.) La poursuite de voiture suivante est moins haute octane que cérébrale: un jeu de chat et de la souris entre le conducteur et les flics, sans mots Économisez pour le scanner de police et un jeu de clippers jouant à la radio. Bien sûr, ce jeu de clipper n'est pas juste un bruit de fond, car le climax ingénieux voit le conducteur se cacher à la lumière du garage au centre de l'agrafage, tout comme le quatrième trimestre se situe à proximité.

Libéré de la même année que Fast Cinq, un blockbuster délirant qui culmine avec une voûte géante déchirant dans les rues de Rio de Janeiro, l'ouverture de Bravura de Drive a souligné qu'il y a plus d'une façon d'exécuter une chase de voiture à ongles, surtout lorsque vous travaillez sur un budget indépendant. Si la franchise Fast & Furious représentait où Hollywood était dirigée - ses coureurs de rue se transforment en super-héros de physique de la physique qui feraient concurrence avec les goûts de Marvel-, alors conduire a été moulée par des classiques néo-noirs comme Bullitt, le conducteur et le voleur. En ce qui concerne les premières impressions, l'ouverture de la voiture d'ouverture de Drive était une enfer d'une table-compteur; C'est parmi les séquences les plus fortes de la toute la carrière de Refn. Dans le même temps, cependant, le lecteur est un microcosme de ce qui rend le Danois Auteur alors polariser.

alors qu'il avait déjà eu sept longs métrages sous sa courroie, la conduite était la percée commerciale de Refn, qui a atteint plus de 75 millions de dollars et atterrit sur de nombreux listes de fin d'année de la critique en 2011. Mais l'adoration critique de Drive, qui incluait également une victoire de la meilleure réalisatrice Au Festival du film de Cannes, il corrige une réponse plus inégale entre les auditoires traditionnels. Le film a obtenu une note C-moins minus insensée sur CinemaScore, probablement due au fait qu'il a bilaté l'attente d'un thriller d'action plus simple. Une femme au Michigan a même déposé une action en justice (!) Contre les distributeurs de Drive sur ses remorques trompeuses. (J'espère bien que personne ne poursuive James Wan pour le troisième acte de Bonkers de Malignant.)

Peut-être que cette sensation d'un appât-commutation est élevée parce que le lecteur semble être un film plus classique, avec la séquence d'ouverture suivie d'une romance en développement entre le conducteur et son voisin Irene (Carey Mulligan). En fait, une partie non insignifiante du film est admirablement retenue - le conducteur et Irene partagent des regards aimant les uns des autres comme ils sont au milieu d'un conte de fées. Mais quand le conducteur et l'Irene ressentent - de bonnes vibrations commencent à aigre, commençant par la sortie de son mari (Oscar Isaac) de la prison et aboutissant dans un magasin de prêts frappés malheureux, conduisent des explosions avec le type d'ultraviolence ridicule et astucieuse plus aligné avec sa sensibilité du directeur. Certaines personnes ont probablement taché lorsque la tête de Christina Hendricks a explosé comme une pastèque, ou lorsque Albert Brooks a poignardé un mec dans l'œil avec une fourchette, ou lorsque Gosling s'est cédé dans le crâne de Goon avec son pied. (Les Sickos, quant à eux, étaient comme "oui ... ha ha ha ... oui!")

C'est dans ces moments gnarly qui changent de canal à son impulsion naturelle en tant que provocateur et convient au reste de son travail de travail. (À l'esprit: Le film précédent de Refn, Valhalla monte, se caractérise par Mads Mikkelsen comme un guerrier à un œil nordique qui déchire plusieurs personnes avec ses mains nues.) Dans le contexte du film, cependant, la seconde moitié de Drive est une descente rivetée dans le chaos : Un étoilé, néon-lit L.. Casser dans un cauchemar sanglant (mais toujours néon-éclairé). La transformation grimie est même représentée dans un sens plus littéral, car le conducteur met sur un masque prothétique qu'il vole de son travail de jour en tant que conducteur de cascade - un regard qui tombe quelque part entre Michael Myers et Karl Havoc-pour noyer le patron de la foule de Ron Perlman dans l'océan Pacifique.

Mais sous les éclaboussures de Gore et la stimulation laconique du film, le lecteur avait suffisamment de potentiel comme une foule à la foule que REFN a été réservé pour faire sauter des blockbusters, où, vraisemblablement dans l'esprit d'un bureau de studio, le rueur d'Auteur les bords pourraient être poncés. En effet, Refn flirt avec un déménagement au grand public-See: le redémarrage de l'égaliseur, le spectre d'entrée de James Bond et un remake de course de Logan - mais au lieu de descendre de cette route, il a doublé des moments controversés et bruts qui se retournaient La plupart des cinéastes et même des critiques de son travail. Le résultat: seul Dieu pardonne, qui a été booed à Cannes; Le néon démon, qui a été booed et a reçu une ovation de 17 minutes à Cannes a causé deux combats à sortir; Et trop vieux pour mourir Young, une série télévisée si étrange de manière étrange que son analogue le plus proche est probablement des sommets twin: le retour.

Mais tandis que Refling Whingtream est une fascinante quoi-si-si-y a-t-il un monde dans lequel le spectre est réellement bon ?! - Cela n'a jamais semblé être un bon ajustement. Après tout, si le lecteur est versé à ses plus accessibles, il est probablement préférable de continuer à fonctionner sur les franges. Le REFN pourrait ne jamais revenir à l'acclamation critique quasi universelle qu'il a gagné avec la route, mais il a toujours sa part d'admirateurs ardents et 10 ans, le film a de vie gracieusement. La bande originale d'inspiration des années 80, qui se sent comme une pharmacie de passerelle pour devenir vraiment synthwave, reçoit une vinyle de réédition le mois prochain; Et vous pariez que vos ré-créations fidèles (et quelque peu chères) de la veste de scorpion blanche du conducteur sont disponibles sur Etsy. C'est un héritage approprié pour le lecteur, qui résonne à son iconographie et à une vibration globale de Cool-Guy, plus que tout moment particulier du narrateur Lean du film.

Si cela ressemble à un compliment à dos, il n'est pas censé être: Refn a toujours été un fournisseur de belles images plutôt que, par exemple, du dialogue mémorable. (Non seulement le conducteur ne reçoit jamais un nom, mais il parle à peine, c'est donc une bonne chose qu'il ressemble à Ryan Gosling.) Si quelque chose, c'est un témoignage de la maîtrise visuelle et des choix esthétiques de Refonf, une décennie sur, rester en puissance. À un moment où des films d'action comme Fast Five étaient en hauteur de l'ante, la route a prouvé que, même s'il n'y avait pas beaucoup de traces sous la hotte, il y avait encore beaucoup à admirer à propos d'un néo-noir de la vieille-école faite avec une abondance de style et un protagoniste adhérant à une simple ethos: "Je conduis."

Marvel Studios: Les dix premières années: le film officiel spécial est un livre de sources qui célèbrent l'anniversaire de 10 ans de Studios Marvel.

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